Cultura y Tradición a través de Imágenes

El Alcalde de Mazarrón

Y

La Concejala de Política Social

Tiene el placer de invitarles al acto de inauguración de la exposición de obras de pintura y cerámica realizadas por las chicas y chicos del centro ocupacional, que se celebrará el próximo viernes, 12 de marzo, a las 19’30 horas en la sala de exposiciones de “La Fundición”, agradeciendo de antemano su presencia.

Prensa Ayto. de Mazarrón.

61 pinturas procedentes del Museo del Prado componen la exposición 'El bodegón español en El Prado' que se inauguro ayer en el Centro Cultural Las Claras de Cajamurcia.

"Bodegón con cacharros", de Francisco de Zurbaran.

61 pinturas procedentes del Museo del Prado componen la exposición 'El bodegón español en El Prado' que se inauguro en el Centro Cultural Las Claras de Cajamurcia. Esta muestra de pintura es fruto de un convenio de colaboración firmado por el presidente de Cajamurcia, Carlos Egea, con el presidente del Real Patronato del Museo del Prado, Plácido Arango, y el director del museo, Miguel Zugaza.

'Aves muertas', de Francisco de Goya.

La exposición podrá visitarse hasta el 9 de mayo de 2010 y entre sus obras se incluyen ejemplos de algunos de los pintores más destacados que cultivaron el género, como Van der Hamen, Zurbarán, Hiepes, Arellano, Meléndez o Goya. Esta muestra plantea un completo recorrido que permite apreciar la evolución de la pintura española de bodegones y floreros, desde el Barroco hasta el Romanticismo.

Francisco de Zurbarán consigue transmitir el silencio de la estancia y del momento con esta representación de objetos en su obra titulada 'Bodegón'.

Aunque los primeros antecedentes son clásicos, el bodegón o 'naturaleza muerta' tiene sus orígenes en Europa a mediados del S.XVI, adquiriendo el español pronto personalidad propia, incluyendo indistintamente la pintura de flores, frutas, animales y objetos, casi siempre relacionados con la cocina. El interés por el bodegón ha dado fructíferos frutos en el arte español, incluyendo a grandes creadores del siglo XX como Dalí, Picasso, Juan Gris, Miró.... Todos ellos bebieron de la fuente de los grandes maestros clásicos como Velázquez, Zurbarán, José de Ribera y Goya.

Olisqueado en La Verdad.

El pintor murciano Luis Pérez Espinosa rompe una lanza por Haití. Se ha propuesto -«sin renunciar al importe del cuadro, eso sí»- ayudar a las víctimas del terremoto subastando cada dos meses una de sus obras. De momento, sale a concurso el cuadro 'Desde lo alto'. El próximo 17 de abril, el portador de la papeleta que coincida con los cuatro últimos número del sorteo diario de la Lotería Nacional se llevará la pintura a casa. Cada participación -se pueden adquirir en el Palacio Almodóvar (Santo Domingo, 1)- cuesta un euro, «y estamos hablando de obras que valen hasta 13.000».

- ¿En qué consiste su iniciativa?

- La idea es hacer una subasta solidaria con uno de mis cuadros, a un euro la papeleta, hasta llegar a las 10.000. Todo el dinero que recaudemos irá destinado a las víctimas del terremoto de Haití. Lo que ha ocurrido en aquel país es tremendo y lo importante ahora es echarles una mano, se merecen nuestro apoyo y hay que estar ahí en los momentos difíciles. La tragedia que están viviendo me ha hecho replantearme muchas cosas y pienso subastar una de mis obras cada dos meses.

- ¿Cómo pintaría la solidaridad?

- Dos personas mirándose a los ojos, con una mano en el corazón y cruzándose la otra.

- ¿Cómo llegó al 'Emocionismo'?

- En el 2007, cansado de comparaciones con Van Gogh, acuñé el término. Es una manera de separarme de los impresionistas, pese a que es un estilo que respeto y admiro mucho. Soy un pintor del siglo XXI y ellos eran del XIX, el parecido en nuestras obras es simple coincidencia.

- ¿Qué busca en la pintura?

- En primer lugar, darme medicina a mí mismo. Por otro lado, que el espectador reconozca el motivo del cuadro, siempre buscando la máxima belleza.

- ¿Qué aporta su arte?

- Lo mismo que el arte de cualquier pintor honrado: un pedazo de eternidad, un trozo de tiempo para interrumpir la rutina que nos invade y nos come.

- ¿Qué le impulsa a pintar?

- Con los años, a pesar de las equivocaciones y los errores, llega un momento en que sabes lo que quieres. Hace poco tuve una operación grave, y la vida que tengo puede acabarse mañana mismo, así que ahora me fijo más en todo lo que me rodea. No obstante, sé muy bien que artísticamente siempre estoy en duda.

Olisqueado en La Verdad.

Aparte de que le guste pintar y no cese de hacerlo, Fuensanta Hortolano Gómez dispone de otras motivaciones para insistir en esta actividad artística, que la mantiene cercada desde hace muchos años. No puede olvidar que es sobrina de dos famosos personajes murcianos: el pintor Antonio Gómez Cano y de Carlos, también pintor y carrozista ilustre. Actualmente expone en Cafetería Pórtico, hasta final de mes.

- ¿Está su pintura pasada de moda?

- Mi pintura es de corte expresionista y que puedan decir que está pasada no me preocupa, porque yo pinto como me gusta. Hace unos días, el catedrático Germán Ramallo vio la exposición y me dijo que él veía mis cuadros con unas evocaciones fovistas, porque tienen mucho color. Pero, al margen de lo que unos u otros digan lo que siempre intento es pintar a mi manera.

- Hace mucho tiempo que no expone.

- Es que no llevo las exposiciones con la rigurosidad o la frecuencia de otros pintores. A mis veinte años, expuse por vez primera en la Casa de Cultura, que ahora es el Museo Arqueológico. Cuando creo que tengo una serie de obras adecuadas, expongo, con la pretensión de que puedan verse mis cuadros; y, si de paso, se venden, pues aún mejor.

- Lo que hace gracia es cuando dice que a estas alturas está intentando pintar. Parece como si le costase trabajo hacerlo.

- No es eso. Lo que hago es buscar tiempo, porque también estoy ocupada en otras actividades. Para mí, pintar no sólo consiste en coger los pinceles y ponerse delante del cuadro. Yo necesito concentrarme debidamente a partir del momento en que creo que estoy inspirada y con ganas de hacer.

- ¿Dónde se encuentra la inspiración?

- Sobre todo, yo creo que depende del estado de ánimo. Supone un esfuerzo, día a día, porque hay que estructurar el cuadro, estudiar los colores, y concretar la figura o el paisaje que se quiere recoger. Yo sé que hay que someterse a un trabajo duro, para que pueda surgir un cuadro de calidad.

- ¿No ve su pintura también un poco infantil?

- Yo no la considero así. Lo que sucede, quizá, es que todavía está dentro de unas formas figurativas. Hay también quien la ha calificado de naif, pero no es mi forma de hacer. Yo expreso el color del modo más libre posible, aunque esté dentro de la figuración.

- ¿Atraviesa el arte una etapa difícil, acaso también afectado por la cacareada crisis?

- Efectivamente. Se está pasando una mala época. Todo el mundo lo nota y, de forma más intensa, los artistas. Si la obra no tiene una salida económica repercute y sugiere llevarte al abandono, a la depresión, a la desmoralización.

- Cuando se sigue es porque hay fe en lo que se está haciendo.

- Sí, claro. Yo llevo la pintura en la sangre, desde mi abuelo Gómez Sandoval y mis tíos. Yo pinto desde los seis años y nunca he dejado de hacerlo, con épocas más intensas o menos.

- Habrá aprendido de sus antecesores.

- No. Yo me inicié sola. Mi tío Antonio me hacía visita, pero era para fijarse en mi obra y corregir posibles defectos. Él me decía que yo había nacido como animal pintor, me animaba mucho. He sido autodidacta totalmente.

- ¿Cree que ha llegado a un tope, a una altura?

- Creo que puedo hacer cosas mejores; por eso espero seguir.

Olisqueado en La Verdad.

Torregar vuelve a exponer en el Centro Cultural, y lo hace con unas creaciones que sorprenden no sólo por su originalidad, sino por su discurso enigmático, puesto en manos del propio espectador.

“EGO SUM TU”, se titula la muestra, con una clara referencia a la aparente reciprocidad, y a la incierta diferencia entre el prójimo y yo; una burla a otros maniqueísmos entre entidades, razas y expresiones, con resolución, claro está, al sólo uno.

Se trata de fotografías con rostros de personas concretas, pero que él ha reconstruido mediante la ingeniería del puzzle, de forma que quien se enfrente a su manipulación se encuentre en un enigma.

Una nueva e impactante forma de transformar en arte un prosaico juego, que nuestro querido artista ha querido regalarnos esta vez.

Sala de Exposiciones del Centro Cultural

Lunes – Viernes. 09’00 h –14’00 h. / 16’00 h. – 22’00 h.

Prensa Ayto. de Ceutí.

La exposición consta de 35 acuarelas que son una pequeña crónica de mi universo visual, de las sensaciones que me transmite el paisaje, urbano o rural, la palmera o el campanario de una iglesia, la acequia de la huerta de Murcia o el camino polvoriento de un caserío; camino tomando nota de las emociones que la luz reflejada me transmite.

Zacarías Cerezo, de la sencillez a la esencia

No cabe la menor duda de que la plasmación figurativa posee una de las mayores ventajas plásticas a la hora de establecer una vinculación afectiva con el espectador, como es su propia autoreferencialidad, esto es, su capacidad para convertir sus mismos referentes internos en elementos claramente reconocibles para el que lo contempla. Pues evidente que la figuración conecta inmediatamente con el espectador gracias a su familiaridad formal, a su captación más o menos accesible del entorno cotidiano, convirtiéndose así en cronista formal de su propio contexto. Una habilidad que le permite en ocasiones captar, no sólo las formas y su estrecha interrelación en el espacio, sino también la auténtica naturaleza del momento plasmado.

Zacarías Cerezo, un artista consciente, no solo de sus posibilidades referenciales sino también de su destreza en lo que a captación de la esencia se refiere. Pues es la de este artista murciano una obra fuertemente comprometida con la sencillez, una obra impregnada de una espontaneidad fehaciente, que asume sin tapujos su capacidad para plasmar la atmósfera de una escena, para recrear un instante, fugaz pero intenso, lleno de contenido y de esencia. Una obra que se decanta por la sencillez de la acuarela, por su pincelada suelta y fluida, para crear unas escenas de intensa intimidad, de sugerente captación de lo transitorio, de lo momentáneo, de lo efímero, sin perder nunca de vista la atmósfera que las envuelve. Una obra, en definitiva, capaz de transmitir sin demasiados aspavientos la auténtica identidad que la define desde la propia sencillez que la conforma.

Carlota de Alfonso

EL PUNTO DE LAS ARTES.

Prensa Zacarías Cerezo.

El Museo de la Ciudad inaugura hoy una exposición que viajará por la Región, Alicante y Madrid.

Empezó hace varios años, aunque ha querido que su particular homenaje a Miguel Hernández coincidiera con el centenario del nacimiento del poeta oriolano. Afirma que estudió en profundidad su obra; y de ello han ido surgiendo hasta cerca de trescientos bocetos que se han concretado en los treinta y un cuadros que ha pintado Antonio Alarcón Felices para la exposición que esta tarde se inaugura en el Museo de la Ciudad.

«Es que -asegura- soy un auténtico devoto de Miguel Hernández y de poesía, desde hace muchísimos años, desde que lo descubrí. Y fue por casualidad, allá por los años sesenta. Mi admiración ha sido tanto hacia su persona como hacia su obra».

Cada uno de los cuadros es la transformación de un verso o una estrofa hernandiana en un tipo de pintura simbólica. «Desconozco cómo los espectadores puedan interpretar estas obras mías, pero la verdad es que se trata de algo que no me preocupa. Yo he querido dar una visión muy 'sui géneris', a mi manera, de unas nanas, poniendo en ellas todo lo que puedo tener de pintor, si es que tengo algo, y también lo que tengo de persona y de hombre con unas ideas».

La exposición también incluye un retrato del poeta, que «en parte -dice Alarcón Felices- viene a ser la reproducción de algún otro famoso retrato del poeta, en el que se incluyen determinadas recuerdos o poses suyas muy populares». Se trata de un retrato que «me ha costado trabajo y sentimiento, porque en él he querido volcar lo que yo pensaba sobre Miguel Hernández y las circunstancias y avatares de su vida».

Añade el pintor que también le ha costado interpretar simbólicamente esos versos, ya que le han supuesto años de trabajo, aunque, «como ya tenía adquiridos los conceptos, convertirlos en pinturas me ha sido menos difícil de lo que a muchos pueda parecer. Los bocetos no eran la definición clara y exacta de cómo iba a ser cada cuadro, pero me han servido de guía. Yo me conformo con que el conjunto de la exposición ofrezca una visión decente hacia la figura del poeta y hacia mí mismo».

Cada cuadro, un sello

Cada uno de los cuadros aparece marcado por un sello muy singular, en el que se incluye no el destino al que puede ir dirigida una carta, sino el nombre de las ciudades donde nació y murió el poeta y las cárceles por las que pasó, tras la guerra civil. «Para llegar a concretar ese sello tan particular me vi obligado a realizar treinta y cinco bocetos. A veces una cosa que parece muy simple puede resultar muy costosa cuando le queremos inyectar determinados matices o símbolos».

La exposición viajará a otras dieciséis localidades y ciudades murcianas (Molina, Cieza, Calasparra, Yecla…) y alicantinas, (entre otras, Elche, en el Centro de Estudios Hernandianos), y acabará su periplo en la sala que la Fundación Cajamurcia tiene en Madrid.

Olisqueado en La Verdad.

Jesús Gómez es todo un caballero en la relación personal, dentro y fuera de su consulta. Y, si alguien observa tranquilamente a su mujer, Inmaculada, que siempre le acompaña, se atrevería uno a decir que ella es de esas brujas que él mismo pinta y te hechizan con la mirada. Siempre ha tenido por afición la pintura, su padre se lo transmitió, pero los pinceles en sus manos trabajan de una forma única. Alternó los estudios de medicina y de patrón de yate. Ahora recorre mundo buscando nuevas sensaciones, también recorre con sus conocimientos el cuerpo humano, sobre todo para evitar dolores, producir bienestar en los demás. Las brujas, como buen vecino de Alcantarilla, son su mundo.

-Perdone que le diga lo que siento, pero me parece que estoy ante un cóctel de personalidad. ¿Qué destacaría de usted mismo?

-En confianza, de mí mismo destacaría, la insatisfacción, aunque parezca paradójico. El día que me satisfaga pensando que sé lo suficiente sobre la acupuntura o que pinto magníficamente o que navego mejor que Eric Tabarly, perderé el interés por seguir haciéndolo y aprendiendo más. Aunque esto no va a ocurrir. La vida es demasiado corta y repetitiva como para quedarte con lo mismo de siempre y no tratar de llegar más allá.

-Las brujas son muy frecuentes en sus cuadros, incluso en lugar de ángeles tocando el arpa pinta brujillas con sus escobas danzando por los campanarios de Alcantarilla...

-Será porque las mujeres de este pueblo hechizan y embrujan a propios y extraños por que se rompen de guapas. La bruja me atrae bastante más que el respeto al abismo que sentimos cuando miras a una a los ojos.

-Y, por si fuese poco, naturópata y especialista en acupuntura, ¿Qué chacras habría que tratarles hoy en día a los políticos?

-La acupuntura hace milagros, pero no imposibles, por lo que no podríamos cambiar la imagen que representan estos señores de distanciamiento de la gente y de la realidad de la calle y del día a día. Sería inevitable que cuando entra algún político e un bar -sólo cuando los invitan, claro-; no exclamemos al unísono el resto de los míseros mortales aquello de '¡mano a las carteras!'.

- En lo que se refiere a su especialidad de acupuntura estética, ¿quién cuida más la imagen, el hombre o la mujer? ¿Por qué?

-Sin duda alguna la mujer. Tradicionalmente y por costumbre y educación la mujer está mas pendiente de su aspecto y estará usted de acuerdo en que hacen bien por que de entrada y con respecto a los hombres, son más guapas, comen menos, huelen mejor y tienen mejor trato y discernimiento.

-¿Por qué hoy el hombre tiende a cuidar su imagen?

- Porque algo hemos tenido que adelantar desde que décadas ha, decían nuestros abuelos lo de que el hombre sólo tiene que o oler a sudor y a tabaco.

Olisqueado en La Verdad.

La exposición EJERCICIO DE RETROSPECCIÓN, del artista José Antonio TORREGAR, organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Molina de Segura, puede ser visitada del 28 de enero al 13 de marzo, en la Sala de Exposiciones El Jardín (en Calle Joaquín Abellán, nº 8, de Molina de Segura). El acto de inauguración ha tenido lugar el jueves 28 de enero, con asistencia del Alcalde de la localidad, Eduardo Contreras Linares, la Concejala de Cultura, Mariola Martínez Robles, y el propio pintor.

La muestra permanecerá abierta al público: de martes a viernes, de 11’00 a 13’00 h., y de 17’00 a 20’00 h.; sábados, de 17’00 a 20’00 h.; domingos, de 11’00 a 13’00 h.; y lunes, cerrada.

José Antonio Torregrosa García, TORREGAR, nace en Ceutí en 1978. Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia (4º Curso en la Academia di Belle Arti di Venezia), cursó los estudios de Doctorado en el Departamento de Pintura de esta facultad. En la actualidad es profesor asociado de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Según explica Miguel Á. Hernández Navarro, Profesor de Historia del Arte, ''la obra de Torregar cambia tanto que es difícil establecer ante ella parámetros de juicio. Especialmente en los últimos años, uno tiene muchas dificultades para reconocer alguna obra suya como un Torregar. Tras un periodo inicial dominado por una marca más o menos reconocible, como fue el hiperrealismo de los rostros de la vejez, Torregar ha transitado por tal número de estilos y de disciplinas que hoy ya es muy difícil incluso poder decir, sin temor a la equivocación, que Torregar es un pintor (a menos, claro está, que entendamos la pintura en un sentido muy amplio, vinculada con la impureza y la complejidad surgida de su evolución a lo largo de los años ochenta)''.

Y añade que ''una sensación que se tiene al contemplar la obra de Torregar es la de incomodidad. Es una obra que, literalmente, nos inquieta. Y nos inquieta porque nos enfrenta a lo real, a nuestra fisicidad y a nuestra biología. En la obra de Torregar los cuerpos son cuerpos, estándares, baterías, moldes, maniquíes, son puramente físicos. Es, pudiera decirse, pura carne. O pura materia. La identidad es algo que viene después, algo construido. Una idea que se puede observar claramente en la serie de los puzzles, que alude a la construcción de la identidad a través de trozos y fragmentos. De alguna manera, para Torregar la identidad es una especie de ficción artificial que se posa sobre esos cuerpos esencialmente carnales''.

Prensa Ayto. de Molina de Segura.

Martes 19 de enero de 2010, a las 20’30 h. inauguro una exposición de pintura denominada "CUERPO ITINERANTE", en ella expongo una serie de trabajos urbanos, de los realizados al aire libre, por los distintos pueblos de España, así como unos cuantas obras sobre la figura humana y el desnudo. Será en el Museo de San Javier, y ojalá pueda veros por allí.

Javier Lorente.

La consellera de Cultura y Deporte, Trini Miró, ha presentado la tabla de Nicolás Borrás "La adoración de los pastores" en la Iglesia de Santa María de Cocentaina, un óleo del siglo XVI que ha sido restaurado por el Institut Valencià de Conservació i Restauració de Bens Culturals (IVC+r) Al acto han asistido también el párroco de la Iglesia de Santa María, Vicente Esteban, y el alcalde Rafael Briet.

La consellera ha destacado la importancia de este óleo como "una de las obras maestras de Nicolás Borrás", cuya restauración supone "un ejemplo más de recuperación patrimonial". "Gracias al trabajo llevado a cabo por el IVC+r, todos podemos disfrutar ahora de su belleza. Esta tabla vuelve a su lugar para que las personas que visiten la Iglesia de Santa María puedan admirar una gran obra de uno de los grandes maestros de la pintura valenciana", ha explicado Miró.

Esta restauración se suma "al resto de trabajos de recuperación patrimonial que hacen de la Comunitat Valenciana una de las más dinámicas y prestigiosas en materia cultural", ha subrayado.

Pintada al óleo y de considerables dimensiones, la tabla "La adoración de los pastores" reúne todas las características que responden al estilo indiscutible de Nicolás Borrás, uno de los maestros del siglo XVI valenciano.

Fray Nicolas Borrás (Cocentaina, 1530 - Cotalba, 1610) fue sacerdote en la misma parroquia de Santa María de Cocentaina. Se cree que su formación artística tuvo lugar en Valencia alrededor de 1550, en el taller de los Macip. Borrás llamaba en 1581 a Juan de Juanes su "preceptor" y "maestro". En 1575 ingresó en el monasterio jerónimo de Cotalba.

El proceso de restauración ha seguido los procedimientos habituales que realiza el IVC+r: estudios previos, tests, limpieza, masillado de los faltantes en el soporte y repintado. La tabla ha recuperado el vivo cromatismo original, gracias a la supresión de las capas de barniz oscuro que ensombrecía el conjunto, según fuentes de la Conselleria.

El importe de la restauración ha sido de 24.000 euros.

Fisgoneado en el Diario Información.

Al pintor lorquino Antonio Mir le han concedido la medalla de Oro 'Anita Garibaldi', máximo galardón de la población brasileña de Santa Catalina, localidad en la que Antonio Mir ha pasado gran parte de su vida y en la que ha dejado numerosa obra monumental, tanto en escultura como en pintura mural, ornamentando la localidad.

Antonio Mir acaba de superar una grave enfermedad, que le ha tenido en coma durante tres meses, y más de seis meses ingresado en un hospital de Santa Catalina. El pasado mes de agosto, volvió a su estudio de Mazarrón para pintar, porque tiene contratadas dos exposiciones para dos importantes galerías de arte: una en Roma y otra en Berlín. Pero todavía Mir no ha recobrado del todo la salud, todavía está en silla de ruedas, necesita un andador para sostenerse, y en ese precario estado de salud, vuelca toda su energía en preparar los cuadros para las citas artísticas que tiene fijadas para la próxima primavera.

Ell gobernador de Santa Catalina, Luis Enrique Da Silvera, le ha envidado un escrito reclamando su presencia en Brasil, para imponerle la medalla de Oro 'Anita Garibaldi', en reconocimiento a su «larga, fructífera, fecunda y excelente trayectoria profesional». Por ello Mir regresará hoy a Brasil con el fin de recoger la citada condecoración que le será impuesta por el propio gobernador.

Esta medalla se sumará al titulo de Hijo predilecto de San Francisco de Soul y a la Medalla al Mérito Civil Reina Isabel, que le concedió la Casa Real de España, entre otros muchos premios de carácter artístico que posee.

El último mural realizado por Antonio Mir en Brasil, fue una obra de grandes dimensiones para la multinacional Bungi,la mayor exportadora del mundo de semillas. Ahora tiene el encargo de realizar otro similar para la sede de Suiza de la citada entidad. Pronto volverá a Murcia a buscar su inspiración.

Fisgoneado en La Verdad.

Empecé a trabajar y a investigar sobre la vida y obra del pintor después de ver un catálogo de una muestra, y terminó convirtiéndose en el objeto de mi tesis doctoral.

Hablar con María González sobre la vida y obra del pintor blanqueño Pedro Cano es una experiencia única y enriquecedora. De hecho, la doctora en Historia del Arte por la Universidad de Murcia, recoge con enorme amplitud y precisión la trayectoria profesional del artista, muestra de una esmeradísima documentación a la que ha sometido su libro: El pintor Pedro Cano. Hacia el pintor, la escritora, dedica palabras de elogio y admiración, e insiste en la necesidad de presentar a un Pedro Cano genio, al que durante años ha seguido y estudiado minuciosamente.

-¿Cómo surgió la idea de escribir el libro sobre el pintor Pedro Cano?

- La idea surgió sobre el año 2000, al comienzo del doctorado. Por entonces, cayó en mis manos un catálogo de una muestra que el pintor realizó en la Universidad de Murcia, y en la que exponía obras de diferentes periodos de su trayectoria profesional. Me llamó especialmente la atención una serie de obras sobre la vida y la muerte basadas en las consecuencias de la Guerra Civil. A raíz de esto, comencé a trabajar e investigar sobre su obra, y lo que empezó siendo un trabajo de investigación parcial titulado Estudio sobre el pintor Pedro Cano: su colección particular, acabó convirtiéndose primero en mi tesis doctoral y ahora en este libro.

- Cuando le comunicó a Pedro Cano que quería escribir un libro sobre él y su obra, ¿cuál fue su reacción?

- Sinceramente respondió muy bien, a la vez que me transmitió su alegría por saber que alguien se interesara de esta forma por su obra. Me interesaba conocer la amplitud de escenarios geográficos en los que se había movido el pintor a lo largo de su trayectoria. Sobre Cano existía una gran cantidad de referencias bibliográficas a nivel mundial repartidas en catálogos y artículos de prensa. No obstante, no existía un estudio global y sistemático sobre el artista.

- Supongo que escribir un libro implica mantener una relación muy cercana con el pintor.

- Sigo manteniendo una relación bastante cercana con Pedro Cano. Me cuenta sus proyectos, incluso antes de plasmarlos en una pintura; me enseña las anotaciones que hace en sus cuadernos, los bocetos de su obra, me dice lo que quiere transmitir con la misma.

- ¿Se ha dejado muchas cosas sobre Cano sin escribir en este libro?

- Por supuesto. Este libro recoge un periodo concreto de la vida y obra de Pedro Cano. Empiezo con su nacimiento en su pueblo natal, Blanca, y acabo en el año 2005, fecha en la que fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Murcia.

- ¿Qué es lo que más le ha sorprendido de Pedro Cano como persona? ¿Y como pintor?

- El hecho de que el pintor este vivo me ha facilitado mucho mi trabajo. Con él he vivido momentos entrañables. Me resultó curioso cuando me contó que con 10 años, su hermano Jesús, le regaló una caja de colores con la que se inició en el mundo de la pintura. Respecto, a su obra me ha sorprendido el poder que tiene para evocar con sus obras la transcendencia que le da a los objetos cotidianos, aspecto que ya fue tratado por otros pintores como Zurbarán y Sánchez Cotán. También la dualidad ausencia-presencia que se percibe en determinadas obras.

Fisgoneado en La Verdad.

Prensa Ayto. de Mazarrón.

Expone en la galería de Cuadros López una serie de obras, en las que intenta combinar el concepto de bodegón y las figuras.

Gabiel Alonso, ante uno de sus cuadros.

Dispuesto a abrirse camino en el mundo de la pintura, Gabriel Alonso estudió Bellas Artes en Valencia, donde también presentó sus primeras exposiciones. Ha obtenido valiosos premios, entre ellos el de la Academia de Bellas Artes de San Carlos también llamado Beca Art Visual. Ahora expone en la sala de Cuadros López una serie de obras, en las que queda impresa, junto a su forma más auténtica de pintar, la afición que siempre ha sentido hacia el cómic. La mezcla de una y otros es lo que quizá caracteriza su estilo artístico.

-¿Cree que esta mezcla es un modo legítimo de pintar?

-Pienso que sí, porque no tengo por qué eludir la forma de realizar una pintura, que suene de un modo un poco humorístico, y en la que aparezcan personajes que demuestren de algún modo esa afición mía hacia el cómic.

-Pero en esta exposición lo que hay, sobre todo, son bodegones.

-En realidad, lo que sucede es que estoy haciendo ahora un tipo de cuadros en los que intento combinar ambos conceptos. Yo siempre había hecho bodegones, y ahora los sigo haciendo, pero pretendo inyectarles una visión más divertida de lo que es en sí mismo un bodegón. Es como profundizar más en esa idea del cómic, porque el cómic siempre te lleva a la plasmación de la figura humana. Y yo creo que hay otra manera de contar cosas con otros objetos, que contiene el bodegón y que te pueden narrar una historia.

-¿Es que le da pánico la figura humana o es que se siente cansado de tanto realizarla?

-No es eso. Se trata de probar otras cosas. Quizá lo normal sea que uno vuelva a lo que estaba haciendo y que esto no sea más que un paréntesis, porque si uno está inmerso solo en la figura humana, se corre el peligro de que otras, que están al alcance, queden descuidadas. Con estos cambios puede decirse que es como si uno trabajara de una manera más detallista.

-¿Son estas sus maneras más personales de pintar?

-Yo creo que lo más personal es el cuadernito de notas, en el que quedan reflejadas el objeto que impresiona o la escena que te motiva un poco a realizar unas cuantas rayas, que se conservan en ese cuadernito hasta que llega el momento en que te motivan de un modo particular, y se añaden otras cuatro rayas; así, hasta que llega el momento en que has de hacer el cuadro y casi lo tienes hecho. Es otra cosa. Este es mi mundo personal de la pintura.

-Su pintura, por lo leído, también es transgresora, y a usted le colocan a la altura de Goya, Picasso, o Manet.

-Yo no he dicho nada de eso. Puede ser que cuando se hable de esa transgresión, se trate de mi modo de hacer, en ocasiones propio de alguien un poco gamberrete, que se sale de lo que de él se esperaba. Yo no puedo hacer las cosas como tal o como cual, porque entonces me aburro y... Es posible que por esto se diga que mi pintura es transgresora, que aporta notas disonantes. Siempre hay un cambio de las cosas, desde que las ves hasta que las plasmas.

-Sin embargo, algunas de sus obras más que transgresoras parecen auténticos disparates, a la hora de concebir las figuras.

-Es que también he vivido etapas más surrealistas. Se trata de obras de los años más jóvenes. A ciertas edades, la realidad se ve un poco más atormentada. Si tuviera que volver a pintar estos cuadros, quizá tendría que convertirlos en un chiste, porque ahora me parecen excesivamente dramáticos. Yo sé que he vivido diversas etapas pictóricas. En la primera realizaba cuadros de e tipo, como si se tratase de cosas surgidas del subconsciente. Era cuando tras fijarme más en lo que veía en la calle, me ponía a hacer juegos de combinar piernas con brazos. Era como una especulación de la anatomía. La fase posterior ha sido fijarme más en eso del cuadernito de notas que le estaba contado. Es como un mundo igual de personal, pero no tan cerrado, ya que asumo lo que también pueda ir viendo por ahí. Ahora están más presentes las cosas cotidianas.

-Tienen también sus cuadros ciertos efectos escenográfico.

-Pienso que sí, que esto también existe en mi pintura y que tiene no poca gracia; pero lo interesante puede ser quizá la idea de transformar lo que se ve. Uno de los cuadros expuestos se llama Bar azul, pero yo no lo pinto de azul.

-¿Es que es obligatorio transformar todo lo que se ve?

-Hay muchos artistas que tienden a reproducir las cosas tal y como son, acaso porque les cuesta mucho inventar. Cada cual tiene su camino.

Fisgoneado en La Verdad.

Prensa Ayto. de Beniel.

El Coro de Damas de Nuestra Señora la Virgen de la Amargura , Paso Blanco, inaugura esta tarde a las 20'00 horas en la sala de exposiciones del Centro Cultural una muestra del conocido pintor Allan Madsen. Esta exposición se incluye dentro de la programación cultural de la Feria de este año.

La colección que Madsen expone en la ciudad está integrada por una treintena de pinturas realizadas utilizando diferentes técnicas pictóricas y en las que cobran especial protagonismo reinventados bodegones en los que el color convive con el realismo de la imagen.

La muestra se podrá visitar hasta el próximo 27 de septiembre en horario de 17'30 a 21'00 horas. La entrada es gratuita.

Fisgoneado en La Verdad.

El pintor lorquino presentará una veintena de cuadros de gran tamaño cuya temática gira en torno al agua.

El pintor lorquino Miguel García Peñarrubia ultima estos días lo que será su próxima exposición que albergará las salas del Palacete de Huerto Ruano. Mientras da pinceladas a una de las últimas obras que conformarán la muestra dejó a La Verdad ver algunos de los cuadros que ha pintado a lo largo de los dos últimos años. Toda una amalgama de turquesas, azules y esmeraldas dan vida al agua que reflejan sus cuadros, con toques de ocre, que utiliza en las construcciones, acueductos y viejas ruinas de la antigua Roma.

Todo parecido con la realidad es casual, porque cada una de las obras ha sido creada por la imaginación del artista que desde hace años vive un auténtico coqueteo con todo lo que tiene que ver con el agua. De ahí que muchos le llamen, y con razón, el pintor del agua.

En anteriores exposiciones los protagonistas han sido albercas, fuentes, balsas, riachuelos... cuyas pinturas no sólo dejaban sentir el aroma del agua fresca, sino también el murmullo de ésta mientras caía por esculturas o se deslizaba entre piedras y canales.

Agua fue el título de su última muestra, en noviembre de 2006. Ahora, va más allá y con La memoria del agua pretende mostrar todo un mundo de acueductos. «No deseo conscientemente pintar todo lo que tiene que ver con el agua, pero es un sentimiento que me sale», cuenta mientras sigue pintando.

Sus cuadros son de gran tamaño, el suficiente como para proporcionarle las medidas necesarias para pintar infraestructuras hidráulicas, aunque entre ellos, también se deslizan algunas estatuas entre griegas y romanas. «Me encanta Italia y sus ruinas y no he evitado poder colar algunos fragmentos de los lugares que he visitado».

En un palacete

Sus obras no podían tener un lugar más acorde para ser exhibidas, el Palacete de Huerto Ruano. «Sí creo que es un buen lugar», admite. Está ilusionado y con ganas de que todos vean el trabajo que le ha llevado casi dos años. «Estamos en la cuenta atrás como quien dice, porque la inauguración será en la segunda semana de septiembre».

Fisgoneado en La Verdad.

La exposición del artista mazarronero, Blas Miras, podrá visitarse hasta el viernes, 25 de septiembre, en las Casas Consistoriales de Mazarrón.

Los ciudadanos y turistas de Mazarrón podrán disfrutar con ‘El ombligo de la luna’ de Blas Miras hasta el viernes, 25 de septiembre, en el espacio cultural del inmueble de las Casas Consistoriales.

La muestra escultórica y pictórica está teniendo una gran aceptación entre los usuarios y visitantes que acuden a diario al edificio de las Casas Consistoriales de Mazarrón.

El artista mazarronero ha elaborado, en exclusiva, ‘El ombligo de la luna’ para exponer en Mazarrón tras diez años sin hacerlo individualmente. Miras plasma en esta colección de arte una reflexión en torno a las múltiples posibilidades expresivas que abarca la forma del círculo, que a su vez representa lo femenino, lo dinámico, lo misterioso y lo inquietante.

Las personas interesadas en conocer esta interesante colección de pintura y escultura podrán hacerlo de lunes a sábado de 10'00 a 14'00 horas así como los jueves y los viernes desde las 17'00 a las 20'00 horas.

Resumen bibliográfico y artístico de Blas Miras

Blas Miras nació en Mazarrón en 1957 es Maestro y Licenciado en Pedagogía y asiste a clases de modelado y cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Murcia y en la Escuela de Cerámica La Bisbal en Gerona.

El artista local, que realiza cursos de grabado con Manolo Delgado y Eva Poyato, es coautor de varios libros de textos de plástica para secundaria de la editorial Anaya. También publica dos libros de literatura infantil: ‘El vencejo del Museo Ramón Gaya’ y ‘Miguel y el MUBAM’, para el Museo Ramón Gaya y el Museo de Bellas Artes de Murcia respectivamente.

Asimismo también ha diseñado y desarrollado, durante cuatro años, el ‘Taller de creación plásticas con familias’ del MUBAM y colaborado en el programa ‘Jarabe de colores’ para niños y niñas hospitalizados de la Arrixaca. Desde 1985 desarrolla una intensa actividad como experto en arte infantil y en educación plástico-visual de infantil y primaria, con más de 40 ponencias impartidas, en distintos centros de profesores y entidades de la Región de Murcia. En la actualidad combina su actividad como docente en el I.E.S. Salvador Sandoval de Las Torres de Cotillas con sus facetas de artista plástico y escritor de libros infantiles.

Prensa Ayto. de Mazarrón.

Las kábilas de moros y cristianos me han pedido murales de antaño y he realizado la reconstrucción con fotografías de restos arqueológicos.

Juan Cárceles es pintor, de brocha gorda y de pincel. Empezó como fontanero y mecánico, pero pronto busco una labor afín a sus gustos artísticos. Prácticamente toda su vida laboral ha llevado entre sus manos brochas, pintando techos, molduras de escayola. A los catorce años inició su especialización pictórica en la Academia de la Sociedad de Amigos del País y posteriormente en Artes y Oficios. Ahora, ya jubilado, dedica todo su tiempo a la pintura y prepara trabajos que próximamente viajarán a Bruselas de la mano del Gremio Regional de Artesanías Varias.

- ¿Por qué pinta usted?

- Es una afición que ya tenía desde pequeño. Me perdía en las horas de siesta y me gustaba hacer dibujos. En clase todos los trabajos de realizar mapas o actividades por el estilo yo los presentaba pintados, aunque no lo pidiese el profesor. También me gustaba asistir a exposiciones de amigos y otros compañeros.

- ¿Cómo clasifica su pintur

- Realista.

- ¿Me podría explicar algo más sobre este estilo?

- Este estilo es totalmente opuesto al abstracto, en mis cuadros ves el reflejo de la realidad, lo que existe en el mundo exterior pero plasmado en el lienzo.

- ¿Qué tipo de pintura se vende más?

- La realista, tiene una mayor aceptación entre el público en general y por tanto las ventas suelen ser mayores; no sólo de la que yo realizo sino también de otros compañeros que siguen este mismo estilo de pintura. La pintura realista nunca se pasa de moda, otros estilos, como el cubismo, por ejemplo, tienen una etapa determinada. La pintura realista siempre ha estado en primera línea.

- ¿Qué demanda más la gente a la hora de adquirir un cuadro?

- Sobre todo temas locales, temas murcianos o de la Región. En mi caso concreto he pintado rincones de Murcia capital y tengo cuadros repartidos por diferentes puntos de España que han preferido colgar en sus paredes un cuadro que muestra a grandes dimensiones una imagen de Murcia que tener guardados en su álbum de fotos ese mismo paraje.

- ¿Qué prefiere pintar de la Región?

- Murcia ante todo es luz, la luminosidad de nuestra tierra no se encuentra en ninguna otra región. En cuanto a mis preferencias suelen ser los paisajes urbanos, rincones de lugares muy concretos.

- ¿Qué rincones de Murcia le hubiese gustado pintar y que ya no existen?

- En este caso concreto me guío mucho por las fotografías antiguas, pues por ejemplo kábilas de moros y cristianos me han pedido que les pinte murales de antaño y todo se ha realizado a través de reconstrucciones realizados por fotografías de restos arqueológicos.

- ¿Qué se negaría usted a pintar?

- Me gusta pintarlo todo. No me niego a nada en concreto, si bien es cierto que hay ciertos temas, como ya le he dicho por los que tengo especial predilección, pero si me piden un tema concreto no me niego a él, pongo todo mi esmero para el comprador quede a gusto.

- ¿Se puede vivir de la pintura en tiempos de crisis económica?

- Creo que nunca se puede vivir de la pintura, sólo algunas personas, y que se pueden contar con los dedos de la mano, pueden vivir de las artes plásticas; normalmente tienes otros trabajos, y en ciertos momentos te dedicas a desarrollar tu capacidad artística, excepto cuando te jubilas que ya tienes todo el tiempo para ti.

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