Grupos y compositores murcianos de la música popular destacan en el panorama nacional.
Veinticinco discos para extractar una década. Ni muchos ni pocos: los 25 mejores álbumes de artistas murcianos del que probablemente sea el mejor decenio, musicalmente hablando, de la historia de la Comunidad de Murcia. La primera década de la centuria sitúa a nuestra música popular en la zona noble del panorama nacional, confirmando el progresivo auge que se ha ido viviendo en la Región, presentando obras de notable calidad y ofreciendo una perspectiva de futuro esperanzadora. Pop, rock, indie, folk, rap, experimental, inclasificables… Tras seleccionar sólo un disco por artista, aquí tienes sencillamente los 25 mejores discos murcianos de la primera década del siglo XXI.
Second, la banda. El grupo de Frutos y compañía, en una de sus últimas imágenes promocionales.
1. Second - 'Pose' (2003): El disco clave del mejor grupo, con permiso de M Clan, de la década en Murcia. El álbum que les permitió ganar en Londres el Global BOB Award y que ejerció como punto de inflexión en su carrera y como espoleta del auge del pop murciano. Sean Frutos explota como (gran) cantante y frontman en un trabajo sostenido por magníficas melodías, elegancia nocturna, melancolía de neón y cimientos de glam-rock. 'Different levels' y 'Smiling to camera' dibujan un listón infranqueable. En la encuesta popular de murciarock.com también resultó ganador.
Alondra Bentley, la última revelación.
2. Alondra Bentley - 'Ashfield Avenue' (2009): Introducirse en el imaginario sonoro de Alondra es viajar a un universo mágico, delicado, teatral, en el que tiempo y gravedad presentan su dimisión. Más que un disco (de indie-folk), es un ejercicio de encantamiento. Es música, es arte, es amor. Es el mejor disco nacional del 2009.
3. Parade - 'Consecuencias de un mal uso de la electricidad' (2000): El genio de Yecla ante su disco más rítmico, más amable, más italiano, más (tecno)pop y más sci-fi. Cual JF Sebastian del pop, Antonio Galvañ construye personajes adorablemente improbables con una tara conocida por los humanos: incomunicación.
4. Schwarz - 'Arty Party' (2004): Drones perversos, hipnosis psicodélica, manipulación sensorial. Todo ello con un permanente sustrato pop que otorga sentido lúdico a este viaje alucinado alrededor del rock, con paradas en el shoegazing y en la Alemania kraut. No lo llames arte, llámalo vida.
M Clan, además de versionear a los clásicos, creó el himno de toda una generación, 'Carolina'.
5. M Clan - 'Memorias de un espantapájaros' (2008): Huyendo de la fórmula que tan bien conocen para sonar en radio y desviando la mirada hacia el interior, "Memorias…" es el disco más sobrio, completo, intenso y poético -y sin embargo accesible- de M Clan. Carolina creció y ahora es toda una dama.
6. Lidia Damunt - 'En la isla de las bufandas' (2008): La vocalista de Hello Cuca sintetiza el rock'n'roll hasta su más pura esencia y, guitarra en mano, pandereta en tobillo y actitud en corazón, ofrece un imaginario personal tan brillante como alucinado. La primera dama del Universo de los Autores Improbables.
7. Noixe Box - 'Locked up in an human body' (2008): Crudeza rítmica contra melancolía inevitable. Guitarras hirientes contra melodías desnudas. Conflictos interiores, striptease emocional y necesidades de avanzar. Un disco obeso en todos los sentidos: intensidad, épica, profundidad de sonido y contenido emocional.
8. Klaus & KINSKI - 'Tu hoguera está ardiendo' (2008): Melodías narcotizadas, letras mordaces, versatilidad formal y una precisión casi milimétrica para colocar el arreglo preciso. Alejandro Martínez diseña camas de espinas que la candorosa voz de Marina transforma en pétalos de rosas de textura indiepop. ¿Lindo?
9. Hello Cuca - 'Esplendor en la arena' (2009): El grupo más vocacionalmente underground del planeta recopila sus balas esparcidas en artefactos de pequeño formato y menor fidelidad. The Action Time invocando el espíritu de Link Wray mientras se deslizan en una tabla de surf sobre oleadas de napalm.
10. Varry Brava - 'Ídolo' (2009): El futuro ya está aquí. Pop hedonista que bebe de la 'canzone' italiana, la disco music y la new wave. Acaban de debutar y todos los quieren en su fiesta, gracias a su actitud irreverente, su estética colorista y a temazos como "No gires". Su discográfica es Megaupload, afirman.
11. Me enveneno de azules - '1968' (2001): Jesús y Jose García, los Simon & Garfunkel de Yecla, grabaron un par de singles y este delicioso álbum antes de disolverse entre brumas de pop melancólico y otoñal. Hoy he salido con los zapatos de domingo y llueve en toda la ciudad.
12. Fernando Rubio - 'Tides' (2009): Notables composiciones impregnadas con la esencia misma del soul, el rhythm'n'blues, el rock americano, el funk, el reggae a la Marley o el pop de autor. Tras muchos años como 'sideman' de lujo, el guitarrista de Ferroblues da el gran paso al frente. Bravo.
13. Los Marañones - 'Extraña familia' (2007): Los Marañones de hoy -más melódicos, más sabios, más precisos- reencontrándose con Los Marañones de ayer -más rugosos, más crudos, más rock-. Como el tiempo es relativo y las canciones también, el gran beneficiado es el oyente, que aplaude complaciente.
14. Ross - 'Rossland' (2001): Ross, el sexto beatle, mostrando su lado más arriesgado, poliédrico y personal. Lo que no quiere decir menos pop ni menos merseybeat. Si 'Nothing for happiness' la hubiera firmado Paul McCartney, otro gallo cantaría. Pero no estaríamos hablando de Ross.
15. Art School - 'Eleven days at T Street' (2003): Menos deudor de The Jam y más completo -ramalazos soul, rock setentero, guiños de intimidad pop-, Art School firmó su epitafio en clave de banda grande. Pero sin perder esos arrebatos de aceleración que los convirtió en los Valentino Rossi del powerpop nacional.
16. Ferroblues - 'Blind Lizard' (2000): Con un cantante excepcional (Amador Blaya), una alineación de lujo y un gran conocimiento de las claves del soul, Ferroblues nunca se caracterizó por su iniciativa. Pero cuando se dignó, entregó ónices como este disco. Qué grandes y qué 'perros', con permiso.'
17. Diego Cantero - 'Descalzo' (2003): Hay una escena en la que el gato besa al ratón y hubo un momento en que Diego sólo se dedicaba a escribir y autoeditar sus canciones. Soñaba con musas y de los sueños se le escapaban suspiros que convertía en bellas canciones. Emociones de autor.
18. El klan de los dedeté - 'Salitre' (2008): Jefazos del hip-hop que prefieren darle vuelta y vuelta al rap antes que ofrecer otro discurso crudo. El verbo directo de Baster y la chulería arrastrada de Poli 124 escupiendo verdad sobre la versatilidad sonora de las bases de Maski. Cartagena en vena.
19. Lou Anne - 'Days were holes' (2004): Ganaron el Proyecto Demo, firmaron por Jabalina y cuando se convirtieron en la esperanza indie nacional desaparecieron en una espiral sonora. No sin dejar esta obra de indierock americano y electricidad underground digna de unos Yo La Tengo con los dedos sobre el enchufe.
20. Joaquín Talismán - 'El gallinero del cielo' (2006): El segundo largo de Talismán ratifica, aumentado y mejorado, lo ya sabido: el estilo es la personalidad. Hay pocos autores tan capaces de resumir tratados de existencialismo vital, en canciones tan bonitas, amables y poco pretenciosas que casi parecen casuales.
21. The Shame - 'Everything has changed' (2007): La culpa la tiene mi reproductor de mp3. Me lo incrusto en las orejas, me echo a la calle y me atropellan los coches, las motos y los pajarillos. Y es que me tiene absorto el debut de estos críos que le pegan al grunge-punk-pop que ni Green Day. Vale, me paso.
22. Caro Ceice - 'El agua donde cuece la verdura' (2008): El proyecto más personal y poético de Javier Cuevas, uno de los más certeros y expresivos vocalistas que puedan encontrarse en el ámbito del jazz-soul-pop, embarcadero del que parte este inspirado combo de aroma mediterráneo y sabor a sol y a sal.
23. Rumor - 'Rumor 2' (2009): Las armonías vocales son la gran clave del supergrupo de Ross, Talismán y Jose Filemón, con Jose Esteban Octubre. Cuatro talentos de la melodía que parten del (y regresan al) lado más powerpop de la new wave. Ejercicio de estilo muy bien resuelto.
24. Piezas & Jayder - 'Dentelladas' (2008): ¡Zas!, en toda la boca. El rap en su versión más contundente, jarcor y chuleta, desde el micro de este veinteañero de Espinardo, ganador de la Batalla Nacional de Gallos e incontinente rimador del asfalto suburbial. Pocos años, mucha calle.
25. Maldita Nerea - 'El secreto de las tortugas' (2007): Jorge Ruiz siguió el secreto de las tortugas: transitar piano pero sin dejar de caminar. E, Internet mediante, se ha convertido en todo un fenómeno de masas sin apoyo de radiofórmulas. Sus letras inteligentes y sus melodías cómplices lo merecen.
Olisqueado en La Verdad.
Al pintor lorquino Antonio Mir le han concedido la medalla de Oro 'Anita Garibaldi', máximo galardón de la población brasileña de Santa Catalina, localidad en la que Antonio Mir ha pasado gran parte de su vida y en la que ha dejado numerosa obra monumental, tanto en escultura como en pintura mural, ornamentando la localidad.
Antonio Mir acaba de superar una grave enfermedad, que le ha tenido en coma durante tres meses, y más de seis meses ingresado en un hospital de Santa Catalina. El pasado mes de agosto, volvió a su estudio de Mazarrón para pintar, porque tiene contratadas dos exposiciones para dos importantes galerías de arte: una en Roma y otra en Berlín. Pero todavía Mir no ha recobrado del todo la salud, todavía está en silla de ruedas, necesita un andador para sostenerse, y en ese precario estado de salud, vuelca toda su energía en preparar los cuadros para las citas artísticas que tiene fijadas para la próxima primavera.
Ell gobernador de Santa Catalina, Luis Enrique Da Silvera, le ha envidado un escrito reclamando su presencia en Brasil, para imponerle la medalla de Oro 'Anita Garibaldi', en reconocimiento a su «larga, fructífera, fecunda y excelente trayectoria profesional». Por ello Mir regresará hoy a Brasil con el fin de recoger la citada condecoración que le será impuesta por el propio gobernador.
Esta medalla se sumará al titulo de Hijo predilecto de San Francisco de Soul y a la Medalla al Mérito Civil Reina Isabel, que le concedió la Casa Real de España, entre otros muchos premios de carácter artístico que posee.
El último mural realizado por Antonio Mir en Brasil, fue una obra de grandes dimensiones para la multinacional Bungi,la mayor exportadora del mundo de semillas. Ahora tiene el encargo de realizar otro similar para la sede de Suiza de la citada entidad. Pronto volverá a Murcia a buscar su inspiración.
Fisgoneado en La Verdad.
El artista yeclano muestra sus últimas obras, 'Flags', en la galería Fernando Latorre de Madrid.
El escultor Lidó Rico.
Cada escultura de Lidó Rico es una jaula y, a la vez, una salida de emergencia. Lidó Rico (Yecla, 1968) es uno de los creadores más singulares de la Región. En la galería Fernando Latorre de Madrid muestra Flags. 117 cráneos que forman y ordenan distintas y macabras banderas. Cráneos que esconden desde enseñas a ropa triturada, desde cabello humano hasta biblias. Vuelve Lidó Rico a escarbar en los resortes del dolor, de la frontera, del grito. En esta ocasión a sus personajes -siempre autorretratos en resina de poliéster- están acompañados por esas pequeñas calaveras. Hay que acercarse con cautela a su obra. Allí hay enigmas y obsesiones; zonas peligrosas y zozobras. Cada cabeza permite ver su interior: un caos de avaricia, egoísmo, lujuria, soledad... «Como siempre mi forma de trabajo obtiene en la tortura de lo inesperado un valioso caudal», explica el artista yeclano. «Soy un idealista que necesita y trabaja la intimidad como si ésta fuera un material más y entiendo que cuanto más quieres acercarte al hombre más te alejas de él», afirma.
- El dolor, la frontera, lo hostil, son constantes en su obra. ¿El arte como obsesión?
- Mi trabajo no se manifiesta como una obsesión gratuita porque surge de la necesidad por trasmitir. Siempre he utilizado mi propio cuerpo para ese fin, y lo que alguien pudiera traducir como obsesivo yo lo mido desde la pasión. Creo que debemos volver a aprender a emocionarnos, hace tiempo que el hombre dejó de pertenecerse, lo único que cultivamos es apariencia y por supuesto hemos aprendido a inmunizarnos frente a todos los horrores que nos asedian; los medios nos manejan, nos dirigen como, cuando y hacia donde quieren, hemos acabado por convertirnos en seres dolorosamente predecibles y angustiosamente inútiles. Todo nos entra masticado por los ojos dándole cada vez menos trabajo a nuestra materia gris y en un intoxicado alarde de creernos seres únicos y excepcionales acabamos embriagados por nuestra propia mentira. Considero la repetición, el dolor, como elementos integrados dentro de mi obra siempre en busca de una continua toma de conciencia. Si somos incapaces de ver que un hombre son todos los hombres, pensemos en sus cráneos, visto uno vistos todos.
- La suya es una obra contra lo gregario, contra la manada, contra la mansedumbre.
- Lo auténtico y personal sucumbe, arrojados en la vida nos agrupamos por temáticas y no dejamos de ser como un egoísta ganado sectario que se trenza, amalgama y acota a sí mismo.
Resina de poliéster, cristal, collage y latón; una de las obras que Lidó Rico expone en Madrid.
- ¿El misterio es importante?
- La propia vida es un misterio mayúsculo, lo importante no es lo que haces sino los silencios que generas, lo insólito de los determinados elementos que componen alguna de estas piezas te hacen viajar hacia lo enigmático; no deja de ser curioso que determinadas banderas se conviertan en una especie de insalubres golosinas o que unas biblias o cabello humano entre otras muchas cosas, aparenten mudar hacia algo que no desvelaré por mantener eso de tu pregunta. Lo cierto es que cuando rompes la lógica comienza el viaje.
- ¿Qué son esas pequeñas calaveras, cómo surgen?
- Llevo trabajando esta temática en otras escalas desde hace varios años, todo comienza como siempre de manera inesperada, el azar la puso en mis manos y comenzó la obsesión, la tortura de una idea se instala, te invade y perturba hasta que no median resultados. Mi intención era introducir nuevos contenidos y cambiar anteriores formatos. Si para ver mis piezas siempre era necesario un espacio determinado, en este caso quise atrapar al espectador en la corta distancia, quería condensar la densidad narrativa y colocarlo con una separación similar a la que te sitúas observando un cuadro, pero el resultado fue todavía más gratificante porque consigo desintegrar barreras, el espectador en cuerpo y alma se zambulle dentro de ellas. Los pequeños cráneos funcionan como minúsculos contenedores de ideas, como inesperadas y diminutas bombas de racimo. Aunque el trabajo resultó muy laborioso y quirúrgicamente complicado, el resultado hechiza y es más incisivo que nunca.
- ¿El arte debe inquietar, incomodar, interrogar?
Debe perturbar, pero nunca de manera insustancial, fácil o premeditada. Aunque por llamarse arte todo se pueda confundir, nuestro cometido es diferenciar la verdad de la mentira, las certezas de lo tóxico. Ocurre que al margen de los profesionales, vive un excelso grupo de artistas, apoderados, traficantes e ilustres rateros que se parapetan y amparan en los oropeles de la diplomacia; hambrientos buscan portadas haciendo del embuste, de la sorpresa fácil, su prioridad y único objetivo para remunerar el nepotismo del que viven, pero su opaca ambición los transforma en flor de un día. Personalmente esas jaranas ni me inquietan ni me preocupan, intento mantenerme alejado de la fina comedia y del misticismo de feria que nos inculcan. Cualquier obra puede plantear una interrogación pero los resultados que se obtienen de lo legítimo son insustituibles si se comparan a la limosna que vomitan algunas mascaradas. El descubrir esos fraudes ya depende de niveles de exigencia personales.
- ¿Hay algún resquicio para el optimismo?
- Por supuesto que sí, en la intimidad de cada uno, en la satisfacción de un trabajo bien hecho, en sentirte útil cuando alguien te necesita; tenemos muchas razones para ser optimistas pero siempre hay que buscarlas en las pequeñas cosas. Como idealista convencido y declarado creo que el arte puede cambiar al hombre, que nos puede aportar mucha más luz de la que podemos llegar a imaginar.
- Su última exposición en Murcia fue en el 2006, ¿cuándo vuelve?
- Para enero del próximo año inauguro en la Fundación José García Jiménez.
-¿Qué próximos proyectos tiene?
- Después de Madrid, inauguro el 19 de este mes en el Városi Müveszeti Mùzeum de Györ en Hungría, a principios de año voy a Brasil con una exposición del ministerio de cultura que recorrerá diversos países tanto de aquel continente como otros europeos y árabes, el Museo Barjola de Gijón para junio entre otras individuales, colectivas tengo varias muy interesantes tanto dentro como fuera de España.
- ¿Qué busca Lidó Rico?
- Tranquilidad y rigor, cada obra es un peldaño y todos son necesarios, busco trabajar la intimidad porque es donde comienza la verdadera insurrección.
- ¿Qué le irrita, qué no soporta?
- Supongo que muchas cosas como a todo el mundo, especialmente me repugnan la soberbia y las patrañas, siento especial aversión hacia esos sujetos perdonavidas y advenedizos, hacia los que subestiman e ignoran lo que tienen sin saber lo que tienen, a esos necios polizontes ebrios de autoridad que van de vuelta sin haber empezado siquiera. Me resulta soporífera la insustancial y estrepitosa glotonería del poder, en resumen me parece intolerable la ausencia de respeto, lastre que va irremediablemente unido a la idiosincrasia de este nuestro país.
- Pequeños cráneos como bisagras, ¿qué puertas abren?
- Abren universos sin explorar que existen en nosotros, anónimas facetas de nuestra propia personalidad que atesoramos desconocidas y olvidadas, exaltando la conciencia abrimos la puerta de estancias que estaban apagadas hasta ese momento, aspiran a convertirse en insólitos espejos.
- «La resistencia como toma de conciencia, la paciencia como obligación para huir de la fronteriza comedia», escribe en el catálogo de Flags.
- Por supuesto, como en la guerra para sobrevivir hay que atrincherarse, este fundamento es indispensable, las modas pasan y todo es cíclico, si te mantienes ganas; si al compromiso y al trabajo diario le agregas una sólida porción de perseverancia, de paciencia, al final tienes tu recompensa. Soy un profesional desde hace 22 años y aunque ahora comienzo a obtener resultados a muchos niveles, siempre tengo la sensación de estar empezando. Da igual que te reinventes a diario, a la hora de crear la duda debe tener tanto peso como el concepto que sugieras, es entonces cuando surge la fricción, la obra hierve y funciona.
- ¿Cuál es la función de un artista en el mundo contemporáneo?
- El compromiso, el plantear nuevos estados para la conciencia, el mover los cimientos, el demostrar que en un mundo tan avinagradamente impuro y medido puede existir la libertad, en hacer pensar que el alzamiento es posible, redimir y depurar al hombre a través de la reflexión, de la pasión.
- ¿El arte es una forma radical de ver el mundo, de enfrentarse a él?
- La vida resulta jodidamente complicada y cuando más piensas que la entiendes más te alejas de ella. Existimos amparados por la palabra y sus piruetas, nos la pasamos gasificando aire, regalando y escupiendo en su mayoría los inútiles sonidos que esperan de nosotros; el arte revienta las fronteras permitiendo utilizar actitudes, técnicas, materiales y formatos que perforan literalmente la razón, no hay más reglas que las que tú planteas, por esto quizás resulte que tengamos del arte una visión más delirante y violenta que de otras disciplinas. Metafóricamente, creo que vivimos en dos prisiones, la cautividad que supone nuestro cuerpo y la esclavitud del entorno.
- ¿Cómo ve la política cultural por estas tierras?
- Prefiero no manifestarme a ese respecto.
«Como idealista convencido y declarado creo que el arte puede cambiar al hombre»
«El buen arte siempre es terapéutico, nos salva de nuestras propias miserias»
«Busco trabajar la intimidad porque es donde comienza la verdadera insurrección»
«Cada vez son menos las ráfagas de sentido común»
«Son tantos los disparates que masticamos al día que estamos insensibilizados»
«Como en la guerra, para sobrevivir hay que atrincherarse»
«A la hora de crear, la duda debe tener tanto peso como el concepto»
LA EXPOSICIÓN
Lidó Rico:Flags.
Galería Fernando Latorre. Calle Doctor Fourquet, 3. Madrid
Hasta el 17 Octubre.
www.galeriafernandolatorre.com
Fisgoneado en La Verdad.
Las kábilas de moros y cristianos me han pedido murales de antaño y he realizado la reconstrucción con fotografías de restos arqueológicos.
Juan Cárceles es pintor, de brocha gorda y de pincel. Empezó como fontanero y mecánico, pero pronto busco una labor afín a sus gustos artísticos. Prácticamente toda su vida laboral ha llevado entre sus manos brochas, pintando techos, molduras de escayola. A los catorce años inició su especialización pictórica en la Academia de la Sociedad de Amigos del País y posteriormente en Artes y Oficios. Ahora, ya jubilado, dedica todo su tiempo a la pintura y prepara trabajos que próximamente viajarán a Bruselas de la mano del Gremio Regional de Artesanías Varias.
- ¿Por qué pinta usted?
- Es una afición que ya tenía desde pequeño. Me perdía en las horas de siesta y me gustaba hacer dibujos. En clase todos los trabajos de realizar mapas o actividades por el estilo yo los presentaba pintados, aunque no lo pidiese el profesor. También me gustaba asistir a exposiciones de amigos y otros compañeros.
- ¿Cómo clasifica su pintur
- Realista.
- ¿Me podría explicar algo más sobre este estilo?
- Este estilo es totalmente opuesto al abstracto, en mis cuadros ves el reflejo de la realidad, lo que existe en el mundo exterior pero plasmado en el lienzo.
- ¿Qué tipo de pintura se vende más?
- La realista, tiene una mayor aceptación entre el público en general y por tanto las ventas suelen ser mayores; no sólo de la que yo realizo sino también de otros compañeros que siguen este mismo estilo de pintura. La pintura realista nunca se pasa de moda, otros estilos, como el cubismo, por ejemplo, tienen una etapa determinada. La pintura realista siempre ha estado en primera línea.
- ¿Qué demanda más la gente a la hora de adquirir un cuadro?
- Sobre todo temas locales, temas murcianos o de la Región. En mi caso concreto he pintado rincones de Murcia capital y tengo cuadros repartidos por diferentes puntos de España que han preferido colgar en sus paredes un cuadro que muestra a grandes dimensiones una imagen de Murcia que tener guardados en su álbum de fotos ese mismo paraje.
- ¿Qué prefiere pintar de la Región?
- Murcia ante todo es luz, la luminosidad de nuestra tierra no se encuentra en ninguna otra región. En cuanto a mis preferencias suelen ser los paisajes urbanos, rincones de lugares muy concretos.
- ¿Qué rincones de Murcia le hubiese gustado pintar y que ya no existen?
- En este caso concreto me guío mucho por las fotografías antiguas, pues por ejemplo kábilas de moros y cristianos me han pedido que les pinte murales de antaño y todo se ha realizado a través de reconstrucciones realizados por fotografías de restos arqueológicos.
- ¿Qué se negaría usted a pintar?
- Me gusta pintarlo todo. No me niego a nada en concreto, si bien es cierto que hay ciertos temas, como ya le he dicho por los que tengo especial predilección, pero si me piden un tema concreto no me niego a él, pongo todo mi esmero para el comprador quede a gusto.
- ¿Se puede vivir de la pintura en tiempos de crisis económica?
- Creo que nunca se puede vivir de la pintura, sólo algunas personas, y que se pueden contar con los dedos de la mano, pueden vivir de las artes plásticas; normalmente tienes otros trabajos, y en ciertos momentos te dedicas a desarrollar tu capacidad artística, excepto cuando te jubilas que ya tienes todo el tiempo para ti.
Fisgoneado en La Verdad.
Me gustaría que me recordaran como un buen gitano, prudente y humilde, y flamenco. Me recordarán los que yo quiera que me recuerden.
Veneración es lo que siente la Peña Flamenca de Sucina por Sebastián Contreras, conocido en los tablaos flamencos como Bastián. Nació en Los Barreros, de Cartagena, y, a corta edad, se trasladó al barrio de San José Obrero, de Alcantarilla. Su padre lorquino, y su madre de la Línea de la Concepción, gaditana. Su cultura, su tradición flamenca la lleva en la sangre. A los quince años ya empezó subiéndose a los tablaos combinando la guitarra y el cante, y en ambos casos, sin pasar por escuela alguna. Su voz racial, redonda, y su compás, le han hecho ser uno de los artistas más destacadosde la Región. El próximo viernes ofrece la gala Yo lo siento así en el Festival Flamenco de Sucina que, este año, está dedicado a Sebastián Contreras.
- ¿Tiene el gitano algo especial en su alma para el cante?
- Pienso que el alma del gitano y el flamenco están unidos por una genética, o algo así. Cambiarán los tiempos y la sociedad, pero siempre habrá un gitano en algún lugar que se arrancará por bulerías, sin explicación alguna, simplemente porque le sale del alma.
- Creo que es muy difícil combinar el cante y el toque de guitarra, ¿cómo lo logra con tanta maestría?
- Antes hablábamos del alma y la genética entre el gitano y el flamenco, pues me parece que yo estaba cantado lo que iba a hacer. He participado con mi padre, que cantaba flamenco, y muy bien, en tertulias de amigos con Antonio Nuñez Chocolate y con Chiquetete. En el Tablao los Rombos en Campretilla de Mallorca, conocí a otra de las grandes, pero no como cantante sino como bailaora, a Isabel Pantoja. Allí se cantaba sin micro, el jefe era Chiquetete, yo tenía doce años, era como una esponja, me empapaba de todo y lo absorbía. Con lo cual, la genética y el alma la tengos. He vivido y vivo mucho el flamenco, lo siento plenamente. Toda esa mezcla es la que me hace combinar el cante y toque de guitarra.
- ¿Se considera purista en su arte?
- Todos los cantes son muy respetables, pero el flamenco es muy grande.
- ¿Es cierto que ha cantado con Camarón, con José Mercé y con otros muchos más artistas del flamenco?
- Le voy a decir un secreto. He cantado y he tocado la guitarra en privado para la más grande, Rocío Jurado, y para su marido José. Siempre que venían a Murcia me llamaban. La conocí en el Hotel 7 Coronas cuando se hacían las tertulias después de las corridas de toros. Yo canté esa noche y al terminar mi actuación me mandó decir que subiera a la habitación, esa fue la primera vez que canté para los dos.
- ¿Qué es lo que siente cuando toca la guitarra y canta?
-Nunca se siente lo mismo, depende de varias circunstancias, como por ejemplo, cómo te encuentres de ánimos ese día, con quien estés, para quien lo hagas; todo esto influye y siempre hace que sientas diferentes sensaciones.
- ¿Cómo le gustaría pasar a la historia del flamenco?
- Me gustaría primero que me recordarán como un buen gitano, prudente, humilde y sencillo; que siempre quiso lo mejor para los suyos y para todo el mundo. Y en segundo lugar, como flamenco, el tiempo da y quita, es un juez insobornable, a cada uno nos pondrá en nuestro sitio. A mi me recordarán los que yo quiera que me recuerden.
- Este año Sucina celebra su Tercer Festival de Flamenco, y además le homenajean, ¿qué opina de esta Peña?
-Es gente sencilla, que se dejan querer y que en el flamenco, como en otros muchos lugares, harían falta bastantes personas con los sentimientos y ganas de trabajar que tienen ellos.
Fisgoneado en La Verdad.
También hay días que tengo miedo de mí mismo, pero en este caso procuro tomarme la vida con una sonrisa, como lo hacía mi abuelo.
Juan Pedro Esteban es meticuloso en sus trabajos. Organizado para conseguir el objetivo que se propone y, ante todo, con un espíritu de lucha interior que sobrepasa sus propias fuerzas físicas. La vida le ha dado muchos reveses. Largas etapas sin trabajo y con una familia que sacar adelante, pero a este cartagenero nunca le ha faltado ilusión para poner sus facultades mentales y habilidades artísticas en las diferentes empresas por las que ha pasado. Actualmente se responsabiliza del casco urbano de Cartagena para que todo el mobiliario se encuentre en perfecto uso para el vecindario. Sus exposiciones han recorrido múltiples lugares del territorio regional, también Portugal, Francia, Barcelona, Roma, Barcelona y Madrid. Ahora prepara unos trabajos pictóricos para su ciudad natal y unas tallas con destino al municipio de San Javier.
- ¿Qué supone extraer una figura a un tronco de árbol o a unas maderas ensambladas?
- Es otro mundo diferente a la pintura y el dibujo. Es complementario, pues quien no domina el dibujo difícilmente puede trabajar y tallar la madera. Se trata de trasladar a tres dimensiones una imagen que inicialmente se ha concebido sobre el papel. Este descubrimiento de trabajar la madera se lo debo al maestro y escultor Salvador, de Cehegín. Estoy entusiasmado con lo que poco a poco me ha ido enseñando y lo que pude dar de sí a una tabla de madera sin forma alguna.
- En su última exposisición en Cabezo de Torres, bajo el título de Miedos, realmente muchas de las caras que talló expresaban este sentimiento humano ¿A qué tiene usted miedo?
- Me da miedo el entorno que me rodea, la gente infeliz, insatisfecha, la gente que no sabe qué hacer. Sobre todo tengo miedo de aquellas personas que causan dolor. También hay días que tengo miedo de mí mismo, pero en este caso procuro tomarme la vida con una sonrisa, como ya lo hacía mi abuelo cuando los aires no le eran favorables. Sintiéndose uno a gusto consigo mismo no tiene por qué tener miedo a nada, todo es capaz de vencerse, antes o después.
- Estoy comprobando que tiene usted un tic filosófico, ¿Dígame una frase?
- Somos lo que hacemos cada día, de modo que la excelencia no es un acto sino un hábito. Bueno, y la frase no es mía sino de Aristóteles, quizás por aquello mismo que usted dice de la Filosofía.
- La filosofía de la vida también le lleva a uno a situarse ante sus trabajos, sobre todo aquellos que no son obligados, sino los que libremente realiza, como es el caso del arte. ¿Cuál es su filosfía en el arte?
- Compromiso y liberación quizás sean los dos términos que más se ajusten a mi trabajo. Compromiso porque todo lo que realizo está relacionado o va destinado, en su mayor parte, a exposiciones que tienen que ver con las situaciones de las personas. Y liberación, pues mi trabajo es una liberación de mis propias energías, de mi propio yo interior y de mi capacidad de crear cosas nuevas.
- Bueno, la venta también es importante. ¿Le ayuda alguien?
- Tengo mucha gente que me ayuda, quizás más que a la que yo ayudo. Creo que soy afortunado pues he tenido gente a mi alrededor que de forma desinteresada me han echado una mano, han adquirido un cuadro o una talla. Gente anónima sin la que uno no podría vivir. Los amigos y la familia también ocupan un lugar muy importante en mi propia vida.
- ¿A quién le gustaría parecerse?
- A mí mismo. No deseo copiar de nadie ni seguir una técnica concreta que en este momento esté en vanguardia, pues el tiempo transcurre y esa obra ya pasa a ocupar otro lugar en el mundo artístico. Lo mejor es tener la propia personalidad y ser uno. Mis trabajos se pueden calificar perfectamente como figurativos. Aunque también tengo mis artistas preferidos, pero gentes que pasan muchas veces desapercibidas no están en los grandes volúmenes del arte. David Galián y Pérez Casanova son dos personas del arte que me gustan mucho.
Fisgoneado en La Verdad.
El alcalde de Murcia inauguró ayer la escultura de «un hombre bueno, un embajador y un artista inimitable»
El Alcalde Cámara inauguró ayer la Venus en Bicicleta de Antonio Campillo que preside ya el acceso al Palacio Almudí. Cámara recordó que la sala de exposiciones acogió este mismo año una muestra antológica del escultor, «quien siempre supo conjugar su maestría artística con el amor y la entrega a la ciudad que le vio nacer».
«Murcia perdió a un hombre bueno, a un embajador excelente y a un artista inimitable, pero su obra siempre le hará estar presente», argumento el alcalde
Antonio Campillo ha sido uno de los grandes escultores de Murcia. Pero nunca se conformó con eso. Su generosidad hacia la ciudad en la que nació y hacia sus vecinos se convirtió siempre en un sello de identidad del artista. El Alcalde presidió la inauguración de Venus en Bicicleta, que fue premio nacional de escultura Francisco Salzillo en 1969 y que, a partir de ahora, forma parte del patrimonio artístico que la ciudad, tras ser adquirida por el consistorio murciano.
Especial simbología
Su colocación en el acceso al principal centro de exposiciones municipal, el Palacio Almudí, tiene también una especial simbología, puesto que allí se mostró este mismo año -junto a la Sala de Exposiciones CAM y la Iglesia Museo de San Juan de Dios- una gran exposición antológica, considerada por el Alcalde como «un maravilloso disparate de creatividad y arte» del artista murciano.
La ciudad ofrece desde ahora la ocasión de contemplar una nueva obra de un escultor que «siempre ha sabido conjugar la lucidez del artista con el amor y la entrega a la ciudad que le vio nacer» .
De esta forma, Murcia que «perdió a un hombre bueno, a un embajador excelente y a un artista inimitable, le tendrá siempre presente a través de su obra», según Cámara, Esta Venus en Bicicleta se suma a otras creaciones del escultor que se pueden apreciar en las calles de Murcia, como el Homenaje al Nazareno, el Mercurio, el busto de Saavedra Fajardo en Algezares o la escultura que da la bienvenida al Auditorio y Centro de Congresos, a las que pronto se sumarán otras grandes obras del artista de Era Alta.
Fisgoneado en La Verdad.
La Academia de Bellas Artes presenta hoy su libro sobre este conjunto de escultores.
Nuria Urbano Cambronero, fotografiada junto a una escultura de Henry Moore.
El libro Escultura figurativa de la segunda mitad del siglo XX en españa: El grupo Los Seis es el primer estudio de investigación sobre ese conjunto de escultores, en el que se integraron Venancio Blanco, José Carrilero, García Donaire, Jesús Valverde, César Montaña y Benjamín Mustieles. Su autora, Nuria Urbano Cambronero, estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Este libro -que será presentado esta tarde en el salón de actos del Almudí, con la presencia de Carrilero, quien ayer recibió la Medalla de Oro de la Región, y Venancio Blanco, únicos miembros del grupo vivos- responde al trabajo de investigación que realizó durante el doctorado. Comenzó a trabajar en el estudio de Venancio, con el fin de catalogar su obra, pero, posteriormente ha actuado de factotum en lo relacionado con las exposiciones del conocido escultor, tarea que, actualmente, alterna con sus clases en la Fundación Ortega y Gasset.
- ¿Por qué su interés por estos escultores, algunos casi desconocidos?
- Cuando comencé a trabajar en el taller de Venancio, en la Calle Cañas, junto a su estudio, se encontraban los de Joaquín García Donaire, Jesús Valverde y César Montaña. Me llamó la atención esa idea de compartir un patio en torno al que se desarrollan una serie de estudios. Más tarde comenzaron a contarme cosas del grupo que crearon. Teniéndolos tan cerca, creí interesante estudiar el conjunto, y no centrarme sólo en la obra de Venancio. A los cuatro citados había que unir al murciano José Carrilero, quien, aunque no compartía estudio, porque vivía en Villaviciosa de Odón, sí compartía ideas; y a Benjamín Mustieles, un escultor de Monóvar que también tenía su estudio en Madrid.
- ¿Por qué este grupo no tiene la resonancia de otros que se han formado en España?
- El grupo surge en 1964, que es cuando coinciden los cuatro primeros escultores citados y crean su estudio en la Calle Cañas. Ya se habían fundado El Paso, Equipo Crónica o Ladac, grupos dedicados a la pintura. Quizá a la escultura nunca se le había concedido en España la misma importancia que a la pintura.
- Si son seis, algo tendrán en común, pero también diferente.
- He analizado la idea del grupo, que parte de la figuración. Todos sus miembros coinciden en la mirada hacia la naturaleza, en el respeto al oficio... Son artistas que siguen trabajando a partir del barro, de la cera, la escultura en bronces... Es decir: utilizan materiales tradicionales, pero con la idea de la innovación. Ahí está la novedad y ahí está ya la personalidad de cada uno. Miran la naturaleza bajo un lenguaje absolutamente contemporáneo, incorporando el hueco, los vacíos, las formas más abstractas, en las que podemos ver una relación muy directa con características del informalismo o de la abstracción más pura. Ahí es donde cada uno se diferenciaría de los demás, porque se trata de un grupo, pero muy heterogéneo.
- ¿Unos más clásicos y otros más modernos?
- Eso es. Por ejemplo, de Benjamín Mustieles, que es el mayor de ellos, podríamos decir que hace una escultura más cerrada, más clásica, a diferencia de la de Venancio o la de Montaña, en cuyas obras el hueco o los planos expresan mucho más que los propios volúmenes.
- ¿Habría que destacar, por su valor artístico, a unos más que a otros?
- Cada uno ocupa su espacio, aunque es verdad que, en Murcia conocen más a Carrilero y a Venancio Blanco. Han sido más afortunados, y contamos todavía con su presencia. Benjamín Mustieles murió en 1996, y no tiene tanta obra como estos dos. Igual sucede con Valverde, quien falleció relativamente joven. Me parecía de justicia este trabajo, aunque no ha sido fácil, porque no hay apenas bibliografía sobre ellos. Al menos, he dado un primer paso.
- Formar estos grupos, ¿era o es importante para que puedan triunfar sus componentes?
- Hay en el libro un capítulo titulado La unión hace la fuerza. Eran amigos, unidos por el amor al arte, al oficio, a la naturaleza, al buen hacer, a la escultura... Consideraban que, exponiendo juntos, tenían más posibilidades de darse a conocer que haciéndolo de forma individual. Cuando surge el grupo, sus integrantes no llevaban demasiados años de carrera. Habían estado trabajando en el extranjero, becados en Roma gran parte del grupo... y, sí, pensaban que había que unirse para triunfar.
- En su libro se ocupa también de los escultores murcianos Planes, González Moreno, Paco y Pepe Toledo, Campillo, Hernández Cano...
- Algunos podrían haber formado parte del grupo, porque, en gran medida, coinciden varios de ellos en características. Me pareció que podría incorporarse un capítulo hablando sobre esa figuración o neofiguración, en la que estaría Planes, como gran maestro, y contaría con los escultores que ha citado. Además, fueron amigos de los miembros de Los Seis.
- ¿Le ha costado mucho realizar este trabajo de investigación?
- Ha sido algo agriculce. Por un lado, era una maravilla. Tenía la suerte de poder acceder a estos escultores, porque, gracias a Venancio Blanco, he llegado a conocerlos. Yo estuve dos años en el estudio de la Calle Cañas. Después, las viudas me han facilitado todo tipo de información. El mayor problema ha sido la bibliografía, porque se dispone de muchos catálogos, pero no he encontrado demasiados textos de referencia que me hayan podido ayudar. Lo que recojo es prácticamente inédito. No ha sido un trabajo fácil, pero sí satisfactorio para mí. Lo considero, también, como un homenaje a un grupo de personas que trabajaron mucho por la escultura en España.
- ¿Por qué edita el libro la Academia de Bellas Artes de Murcia?
- Quien supo ver desde el principio el interés del trabajo fue Martín Páez, subdirector de la Academia. Yo andaba buscando documentación y fue él quien me dijo que habría que publicarlo, porque, además, en él se habla de un miembro de la Academia, que es José Carrillero. El libro es un primer paso para que pueda haber más historiadores del arte interesados por estos seis escultiores, y capaces de profundizar en su obra.
LO QUE DEBE SABER
Dónde y cuándo: Hoy, a las 20.00 horas, en el Palacio Almudí (Murcia).
Presentadores: Francisco Marín (presidente de la Academia de Bellas Artes) y Nuria Urbano.
Fisgoneado en La Verdad.
La artista combina coloridos óleos con collages de papeles de todos tipos y procedencias para recrear a sus exquisitas señoritas.
La concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena, con motivo de las actividades programadas para la celebración del Día de la Mujer, expone en la primera planta del centro cultural Ramón Alonso Luzzy la muestra pictórica Meninas, de Concha Hernández Belando.
En esta exposición, Diego Velázquez es el punto de partida y de inspiración pero la pintora le da la originalidad y feminidad a estas Meninas tan elegantes y adorables, impregnando la exquisitez en sus volunptuosos y vaporosos trajes contrastando a su vez con la delicadeza y finura de sus giocondos rostros.
La artista compagina en sus obras el colorista óleo con el collage, una amalgama de trozos de papeles de distintas procedencias: desde los decorativos de empapelar a fragmentos o figuras extraídas de cualquier textura: serpentina, cartonajes...
En cada una de sus señoritas se integra un conjunto de colores e imágenes para recrearse en diferentes alusiones al arte de Modigliani o Picasso, y sobre todo de Velázquez. Las Meninas de Concha Belando siempre atraen al espectador, pues sólo ella conserva la clave de esas enigmáticas caras de porcelana.
El carácter de estos diseños, la simplicidad de sus vistosos colores y lo estilizado de sus 'Meninas' devuelven al espectador a aquellos años de muñequitas adorables y de 'señoritas noñas'.
La exposición podrá visitarse hasta el 29 de marzo, en horario de 9 a 14 y de 17 a 20 horas.
Prensa Ayto. de Cartagena.
«A Valcárcel le pondría la canción 'El Toro bailaor' cuando se afeitara y, a Zapatero, 'El veraneo'» «Me inspiro en los temas bonitos de la vida: las mujeres, las cosas cotidianas...»
Juan Navarro es un cóctel explosivo, mezcla de cantante surrealista -como él mismo se define-, actor, humorista, imitador de sonidos de animales y de la naturaleza así como de artistas y cantantes. Interpreta a la perfección desde el croac de las ranas que viven en la acequia que transcurre delante de su casa de la huerta de Beniel, las gallinas de su corral, y hasta todo el repertorio musical de Julio Iglesias. Te hace llegar copias compulsadas de sus títulos logrados: un curso en la UMU de teatro español en el siglo XX, curso de interpretación cinematográfica, participación en el programa El Semáforo; actuación en el Teatro Calderón de Madrid. Ha interpretado variados papeles en películas, sus últimas actuaciones como Teniente Patterson. Acaba de sacar a la calle su primer cedé: El veraneo, y ya está grabando el segundo.
-Entre todos estos títulos y actividades ¿Cómo le llaman en Beniel?
-Todos saben cuál es mi profesión del día a día como gerente de una compañía de seguros, pero me dicen Teniente Patterson.
-Eso entiendo que quiere decir que toman en serio su labor, y a su vez las personas se toman las cosas con cierto sentido del humor.
-Actualmente todos, y cuando digo todos me refiero a todos los españoles necesitamos del humor porque es una válvula de escape, y ahora mismo estamos pasando por una situación de mucha tensión a nivel personal, social, política y sobre todo económica. Además, todos vivimos en constante situación de tensión, desde que te levantas hasta que te acuestas. Aguantamos al jefe o a la jefa, las facturas que llegan, al compañero de turno de la empresa, la olla de cocina que hay que levantar y no sabes qué ponerle dentro, o al profesor que te cae algo pelma.
-Pues ayúdenos a relajar tensiones. Nada más saltar de la cama ¿qué canción de su cedé le pondría al presidente de la Comunidad autónoma mientras se afeita?
-El toro bailaor
-¿Y al presidente de la nación?
-El veraneo, porque cada uno le canta lo que él quiere escuchar.
-Dice usted que es un cantante surrealista ¿De qué va?
-Porque ni soy un cantante, cantante; ni tampoco un puro imitador. Yo me inspiro en los temas bonitos de la vida: las mujeres, las cosas cotidianas de las que no podríamos vivir sin ellas, y luego les introduzco mi parte de imitación, esos tics de cada cantante, pero en plan exagerado.
-¿De dónde le vienen a usted todas esas cualidades artísticas?
-Son innatas. Yo creo que todas las personas disponemos de unas capacidades y de unas carencias. Lo importante está en descubrir las cualidades y potenciarlas.
-Y usted las ha descubierto�
-Digamos que poco a poco me fui dando cuenta de ellas y me han animado a potenciarlas; así por ejemplo los profesores en el Instituto me solicitaban que les imitase, y siempre me he visto envuelto en fiestas con mis amigos haciendo parodias, hasta que di el salto a los escenarios.
-¿Y entonces?
-Pues ya llegaron contratos, sobre todo en periodos vacacionales y más que en Murcia es en la Comunidad Valenciana donde actúo y realizo las grabaciones musicales.
-En sus actuaciones humorísticas y a altas horas de la madrugada de los fines de semana imagino que los temas de sexo serán plato bien recibido.
-Es más bien plato esperado. Siempre es un tema que da mucho juego; es muy divertido porque atañe a todos, no me gusta jugar con los sentimientos de nadie, sino que sirve para liberarse de muchas tensiones y reírse de uno mismo.
-Pues al final veo que todo tiene su punto de seriedad ¿habrá estudiado Psicología?
-En la Universidad no he estudiado, pero sí he leído mucho y sobre todo de psicología' de masas pues el individuo tiene un comportamiento muy distinto cuando está en grupo. Mis mayores aprendizajes son sobre el escenario.
-¿Quién tiene más sentido del humor, el hombre o la mujer?
-El hombre, porque es más extrovertido. La mujer es más inteligente, reservada y a su vez cuida más las formas.
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«El mundo de la ilusión se encierra en un metro cuadrado», cuenta este mago murciano, elegido para actuar ante el Club de Ilusionista de España.
Domingo Artés tiene las manos muy calientes, de piel suave. Dice no utilizar ningún jabón especial, y siempre las mantiene durante la entrevista sobre la mesa, en constante pero pausados movimientos. Son como él mismo, intuitivo, con un gran corazón pues muchas de sus galas han sido benéficas y lo que más ilusión le hace es observar y disfrutar de la sonrisa de un niño. Su currículum es amplísimo, pues ya de bien pequeño empezó en la tarea de ilusionar a sus propios compañero. El próximo día 31, en el Teatro Circo Price de Madrid, actuará a petición del Club de Ilusionistas de España, dentro de los actos programados por la festividad del patrón de los magos, San Juan Bosco.
- ¿Mago o ilusionista?
- Cada vez que he conectado telefónicamente con usted me he presentado como el mago ilusionista, pero creo que realmente soy ilusionista, más que mago. Simplemente porque no quiero relacionarme con esa magia oculta, negra, la hechicería de la antigüedad, que preparaban los brebajes raros y hacían creer a las gentes cosas que realmente no lo eran, yo ante todo no engaño y soy honesto con mi trabajo.
- ¿El ilusionista nace o se hace?
- Creo que hay una mezcla de ambas cosas, uno puede tener unas aptitudes pero si no las desarrolla es como algo que ahí está dormido. Yo siempre estoy con algo entre las manos, mis manos son el principal elemento con el que transmito los mensajes.
- Para no perderse nada en una de sus actuaciones, ¿dónde habría que fijar la mirada?
- Todo se encierra en un metro cuadrado, desde la cintura hasta la cabeza. Los pies no suelen tener actuación. Usted debe situarse como si estuviese encuadrando la cámara fotográfica. Repito, en un metro cuadro se encierra el mundo de la ilusión.
-¿Pues por qué utilizan una varita mágica?
- Es cuestión de la propia historia de la magia, pero de la magia positiva, de la buena, de la que quiere el bien para los demás. La varita mágica originariamente provenía de las raíces de un árbol milenario, con un nombre muy raro. Después hemos variado en la forma de esa varita pero en realidad es el objeto con el que diriges las miradas y por tanto la ilusión de todos los espectadores.
- Mire, a mí se me ponen los pelos de punta cuando veo que hace tres trozos con una mujer� ¿qué pegamento utiliza después?
- Bueno, ése es uno de mis mejores números, además le tengo gran cariño, pues en él me acompaña Mavi, y ella es ni más ni menos que mi mujer. Con lo que yo la quiero ¿cree usted que al final la voy a dejar hecha trozos?
- ¿Siempre actúa sólo?
- Normalmente sí, aunque en muchas ocasiones me acompaña Mavi, y en otras mis dos hijos mayores, Alex y Eduardo. Mi hija pequeña, Paula, con 8 años, también le gusta y ya hace algunas cosas bastante bien.
- ¿Qué haría con Murcia si tuviese que darle un toque con su varita mágica?
- Eliminaría todo aquello que nos preocupa, sobre todo el desempleo; que llegase pronto el AVE, también que dispongamos de un aeropuerto como se merece nuestra región y que todas las personas se sintieran felices, que no tengan dificultades en sus vidas,� bueno, y también que el Real Murcia se enderece un poquillo.
- ¿Existen lugares mágicos en nuestra Región?
- Por supuesto: el Mar Menor, Sierra Espuña, Moratalla, el puerto de Cartagena, incluso la misma plaza de la catedral de Murcia
-¿Le ha ocurrido algo en especial en alguna actuación?
- Sí, en un pueblo (omitimos nombre) en plena plaza estaba actuando y haciendo desaparecer objetos, de pronto irrumpe una mujer llorando con unos lagrimones que le caían por toda la cara pidiéndome a grito pelado que por favor le hiciese desaparecer su marido pues le estaba amargando la vida. ¡Si mi magia llegara hasta ese punto! ¡Qué ilusión me hubiese dado!
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El veterano artista, que defiende la tradición salzillesca, ofrece en Alcantarilla una muestra con una selección de las reliquias de su taller familiar.
Toda una vida dedicada a la artesanía murciana, sobre todo a las figuras del tradicional belén murciano. Aurelio Mirete cumple ahora 78 años de edad. Su padre, a principios del pasado siglo, puso en marcha un taller de belenes y otras artesanías, oficio que ha seguido la familia con la firma de Hijos de Juan Antonio Mirete. Ahora, en la planta baja del Casino de Alcantarilla, puede contemplarse una colección de sus mejores obras que la empresa conserva como reliquia familiar, pues fueron de las primeras figuras que salieron de este taller.
- Imagino que su padre sería su maestro en el arte belenístico.
- Por supuesto. Mi padre, Juan Antonio, que Dios tenga en buen lugar. De él heredé no sólo el negocio, sino ante todo su estilo de trabajar y su empeño en hacer las cosas a la perfección siguiendo la auténtica tradición del belén de Salzillo. Nuestro taller llegó a tener hasta treinta trabajadores, pues no sólo nos dedicábamos al barro sino que también hacíamos muchas cañas de pescar. Trabajábamos el cartón haciendo cabezudos y las figura gigantes para las fiestas, pues a mediados del siglo pasado no había fiesta en cualquier rincón o aldea de la Región, y por pequeño que fuese el pueblo, que no iniciaran las fiestas con la charamita y el desfile de gigantes y cabezudos que abrían todo el cortejo festivo. También las caretas para carnaval, y mi mayor pasión ha sido hacer frailecicos de porcelana. Ahora continúan con la tradición mis hijos Aurelio y Otilia, y mi hija Pepita también ha seguido en cierto modo este estilo de trabajar, pero como diseñadora gráfica.
- Ustedes se propusieron que su taller fuese como el de Salzillo.
- El belén de Salzillo no se puede superar. Además debemos tener en cuenta que cada artesano tiene su propio estilo. A él se le puede imitar, y eso es lo que siempre hemos tenido nosotros como norma: llegar al máximo en la imitación, pero lógicamente cada figura de belén que empezaron saliendo de los talleres que teníamos frente a la FICA salían con el corazón de Mirete mirando a Salzillo, y así continuamos.
- ¿Por eso se trasladaron después al barrio de San Andrés?
- Casualidades de la vida. Cuando ya llevaba yo el taller me casé con quien es el mayor amor de mi vida: Vicenta, pues sin ella yo no hubiera podido continuar con toda la empresa. Trasladamos el taller justo enfrente del museo Salzillo.
- ¿Qué figuras del belén ha preferido trabajar?
- Los pastores, muchos pastores pues te ofrecen la posibilidad de moldearlos de mil maneras, y por supuesto con sus rebaños, y de bastantes ovejas.
- ¿Ha trabajado con algún barro especial?
- La arcilla es el elemento básico, pero el mejor barro para hacer las figuras del belén era el tarquín que quedaba después de las riadas, nosotros recogíamos grandes cantidades. Y aún mucho mejor que el tarquín del río es el que venía por el Reguerón, cuando había una riada siempre nos íbamos a Sangonera a recoger la máxima cantidad de barro posible, como este ninguno.
- ¿Qué no puede faltar en un belén?
- El nacimiento, sólo con él es suficiente. Incluso ahora que los espacios de las casas son pequeños, no como antiguamente las casas de huerta que el belén ocupaba toda una habitación. Yo recomiendo que cada familia, cada hogar, monte su nacimiento y por supuesto de estilo salzillesco.
- ¿Ha observado actualmente figuras o elementos raros en otros artesanos belenistas?
- Bueno, de esto no quiero ni hablar, pues a veces en exposiciones o mercadillos he tenido que volver la vista para no verlos. Pero entiendo que cada vez más se vaya a buscar nuevas formas, nuevos estilos e introducir otros elementos.
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El discípulo de Sánchez Lozano, que ayer pregonó la Navidad en Alcantarilla, dice que las figuras deben ser de barro.
Vive y disfruta a lo grande con lo que hace.. Transmite sus energías y pensamientos con obras escultóricas de bronce y barro, con la palabra y ante todo con los sentimientos. Es Juan José Quirós. Nació a orillas del mar, en el barrio pescador de Santa Lucía de Cartagena, donde reflexiona cada atardecer desde su taller viendo perderse el sol entre las aguas. A sus 36 años ya han salido de su taller más de 200 obras siguiendo el estilo barroco que le infundió el maestro Sánchez Lozano. Sus Nacimientos están repartidos por Roma, Bélgica y distintos puntos de la geografía española.
- ¿Qué es lo básico al montar un belén?
- Creer en lo que estás haciendo, además de sentir una unión personal con el acontecimiento histórico que estás reproduciendo. Tienes que vivir lo que haces.
- Bueno pero yo me refiero a colocar las figuras o las montañas. ¿Por dónde empezamos?
- El belén tiene una secuencia lógica de pasajes que te muestran a través de escenas unas situaciones concretas. La Anunciación es muy importante, pues es el principio de esta historia en miniatura en la que debe estar María; sin una mujer, sin María, no se concibe el Belén. Hay pasajes que son básicos; yo considero también muy importante la huida a Egipto, esta situación vivida por la familia de Jesús es vital y además actual. Ellos fueron inmigrantes, tuvieron que salir de un lugar para poder sobrevivir, y esta misma situación la están viviendo hoy muchas personas. El belén es como la vida misma, es un fiel reflejo de la situación actual: la soberbia de Herodes matando a tantos inocentes, es un reflejo de la situación actual de muchas personas que viven en la soledad o en situaciones de necesidad. El belén no hay que verlo como unas figuras bonitas, sino pararse a pensar en ellas y preguntarse ¿tendrá esto algo que ver con lo que sucede actualmente?
- ¿Qué caracteriza al belén murciano?
- Yo creo que ante todo es por su tradición, no hay casa sin belén; también por las personas que hemos fijado la mirada en esta parte concreta de la Biblia para pasarla a la escultura en miniatura. Murcia tiene grandes belenistas, empezando por Salzillo. Si nos atenemos a la expresión artística el belén murciano es ante todo barroco.
- ¿Alguna preferencia tiene usted?
- Las figuras deben ser de barro, la categoría del barro no pueden lograrla otros elementos en igualdad de condiciones.
- Y para dejar concluido nuestro belén, le introduciría algo más.
- Sí. Hay que tener en cuenta que ante todo es un tratado de teología social con un sustrato cultural inmenso, es una tradición y además una expresión de fe. Es un todo en un espacio muy pequeño. Lo importante es tener ilusión por montarlo, disfrutar por contemplarlo y alegría para compartir su mensaje.
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La Universidad de Alicante y Caja Mediterráneo inaugurarán el próximo miércoles, 26 de noviembre, en el MUA la primera muestra antológica del escultor Arcadio Blasco, que recoge "más de medio siglo de incesante actividad" del artista, según informaron hoy en un comunicado fuentes de la institución académica.
'Arcadio Blasco, narrador de objetos' es el título de la primera muestra antológica que se realiza sobre la obra del autor muchamelero, que se podrá ver en el Museo de la Universidad de Alicante a partir del próximo miércoles. Con esta exposición, que cuenta con el apoyo de Caja Mediterráneo, se dan por concluidas las obras de restauración del museo universitario y se inaugura el cubo central, que alberga la Sala 365, la más amplia del conjunto museístico.
La exposición, compuesta por más de un centenar de piezas, se inaugurará oficialmente a las 20'15 h. con la presencia, entre otras autoridades, del rector de la UA, Ignacio Jiménez Raneda, el presidente de CAM, Vicente Sala, y el propio autor.
La exposición recoge la obra de este artista desde los años de formación en las Escuelas de Bellas Artes de Madrid y Valencia (1949-53) hasta sus últimas series, como la del 'Aprisco' y los dibujos que la desarrollan (2003-08). Para hacerla posible se han reunido obras de colecciones tanto públicas como privadas, así como "una parte importante de obras que pertenecen a la colección personal del autor y que nunca antes habían sido expuestas".
Entre las obras que se podrán ver, destacan piezas llegadas del Museo Reina Sofía, del de Cerámica de Manises (Valencia), del de Arte Contemporáneo de Alicante, la Diputación y el Ayuntamiento de Alicante, el Ayuntamiento y el Museo de Elx (Alicante), así como de otras colecciones.
La muestra se completa con un video documental realizado por el Taller de Imagen de la Universidad de Alicante en el que se recoge gran parte de la obra pública realizada por el artista, desde esculturas hasta las incontables vidrieras realizadas en los años 50 y 60 en iglesias y edificios civiles de todo el país. No obstante, sí destaca que por primera vez se exhiben muchos de los bocetos y maquetas previos a estos trabajos.
Además, la muestra irá acompañada de la edición de un catálogo-libro con más de 240 páginas, en el que además de artículos sobre la obra de Arcadio Blasco, se aporta la bibliografía actualizada y la relación completa de sus obras, principalmente de obra pública.
El catálogo "presenta, siguiendo las distintas etapas creativas del autor, desde los dibujos de aprendizaje, hasta su consagración definitiva". La muestra, que ha contado con el patrocinio de Caja Mediterráneo, podrá verse en la Sala 365 del MUA hasta el 28 de febrero, según precisaron las mismas fuentes.
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Puede que la forma de vida del artista circense sea, en el fondo, una crítica a lo que la mayoría de la gente considera como normal.
Los artistas de circo están hechos de una pasta diferente a la del resto de los mortales, sin duda. Para empezar, no hay mucha gente dispuesta a vagar sin rumbo fijo en busca de un público ávido de emociones fuertes. Es el caso de Jorge Albuerne, un asturiano que acabó casi sin darse cuenta en el mundo del más difícil todavía. Jorge ha decidido fijar esta semana su residencia en tierras murcianas para impartir en el centro cultural Puertas de Castilla un pequeño curso de iniciación a las técnicas circenses. Ésta puede ser una buena oportunidad para todo el que soñó alguna vez sentirse parte del llamado 'espectáculo más grande del mundo'. ¿Pasen y vean señores, pasen y vean!
- Siempre me he planteado cómo acaba uno en el mundo del circo.
- Pues no lo sé. ¿Cómo terminaste tú de periodista? Supongo que llegué aquí como la mayoría de gente llega a lo suyo: empiezas a probar cosas y al final te acabas enamorando.
- Hay que reconocer que este mundillo tiene cierto atractivo. Yo mismo he intentado alguna vez que otra aprender a hacer malabares para tirarme el rollo con los colegas.
- Posiblemente ahí este el quid de la cuestión, en la necesidad que siente uno de intentar cautivar a la gente.
- Pero, recomendarías a alguien tan torpe como yo que no intentara hacer piruetas.
- ¿Por qué no? Si te gusta... Todo el mundo puede probar. Con trabajo y disciplina es posible cultivar las habilidades necesarias, por muy difícil que parezca.
- ¿Cómo es eso de vivir intentando continuamente el más difícil todavía?
- Esta claro que ir más allá es una de las pautas que mueven al artista de circo. Es nuestra arma secreta, la forma más sencilla y efectiva de emocionar a nuestro público. Por eso siempre tienes que intentar ir un paso más allá. De todas formas, realizar proezas no es la única manera de tocar la sensibilidad del espectador.
- Siguiendo con el más difícil todavía, ¿y vosotros también hacéis piruetas para llegar a fin de mes?
- Cómo casi todo el mundo. Además, tenemos el problema de que nuestro trabajo es muy eventual, sobre todo para mí, que soy en cierto modo un freelance. Hay que estar constantemente buscándose lugares donde poder actuar. Además, yo no sólo actúo por dinero, también hago funciones gratuitas siempre que la causa me motive. Eso sí, entre función y función no queda más remedio que montarse nuevos números y macharse para mantener la forma física.
- Siempre que nos encontramos a alguien que se sale un poco de lo convencional solemos preguntar si se ha escapado de un circo. ¿Los artistas circenses se consideran a sí mismos 'bichos raros'?
- Yo no soy diferente a los demás. Aunque sí es verdad que siempre hemos estado un poco al margen de la sociedad, y llevamos un forma de vida distinta al resto de la gente, nómada, muy comunitaria y carente de seguridad. En el fondo, puede que todo esto refleje una cierta crítica a lo que se considera normal.
- De todas formas, tengo la sensación de que el mundo del circo ya no es lo que era, ¿pero en qué ha cambiado exactamente?
- El espectáculo sigue siendo en esencia el mismo. Lo que pasa es que antes era una pasión que se transmitía de padres a hijos. Ahora en cambio, ya no existen esos lazos la gente decide dedicarse a esto profesionalmente por motivaciones artísticas.
- ¿El Circo del Sol es reflejo de ese cambio? ¿Por qué despierta furor actualmente?
- Tienen buenos números, y le han devuelto el prestigio al circo, pero personalmente, no me cautivan. Para mí son simplemente una multinacional de este espectáculo, en la que se difuminan los principios y valores de nuestra profesión.
- ¿Y que te parece que el título de 'espectáculo más grande del mundo' se lo haya quedado el fútbol?¿Es que marcar un gol tiene más mérito que realizar el triple salto mortal?
- ¿Ojo! A mí no me gusta el fútbol, pero reconozco ser deportista profesional tiene un gran mérito. Primero, requiere una preparación física brutal, y, segundo, no es fácil jugar delante de tanta gente y con tanta presión.
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El artista Nicolás de Maya crea 'Tejedores de luz', una monumental escultura para embellecer su pueblo Dos pies y más de un millar de apellidos guiarán hacia el municipio a los visitantes a partir del sábado 25.
Con la monumental escultura de Nicolás de Maya, Tejedores de luz, la localidad de Cehegín lleva a su culmen un proyecto municipal con el que ha pretendido embellecer y ornamentar los accesos al pueblo desde la autovía del Noroeste y con el que el Ayuntamiento quiere sumar al valor cultural y turístico de su riquísimo patrimonio histórico-artístico, la visión de artistas de hoy sobre Cehegín y sus habitantes. Así lo contaba ayer, en la presentación del nuevo monumento el concejal de Turismo, Francisco Abril, que aseguraba que «Cehegín no puede permitirse el lujo de carecer de una obra de este insigne artista».
El próximo sábado 25, a las 19.30 horas, el alcalde de Cehegín, José Soria, será el encargado de inaugurar esta escultura de luz en la que el artista ceheginero ha puesto corazón, alma y pasión, y que quedará instalada como «una huella perpetua», en la Ronda Este de Cehegín, porque, como aseguró ayer el alcalde: «Este es un reconocimiento de Cehegín a Nicolás de Maya, un extraordinario artista que ha hecho una obra exquisita y con el que conseguimos agradecer a todas estas personas, como Pepín Liria, Salvador García Jiménez, Antonio de la Ossa o José David de Gea, que den nombre al pueblo y lo hagan grande».
Juego nocturno
La pieza, «creada para ser observada de noche», indica Nicolás de Maya, es un homenaje a Cehegín y a su historia, y un juego, ya que permite que el viajero perciba, como una ilusión óptica, cómo dos pies caminan por la historia, una historia escrita con los apellidos de todos los cehegineros desde 1492 hasta nuestros días.
«Con un pie de hombre y otro de mujer en posición de movimiento, y 1150 apellidos calados en una plancha de acero (los de todos los ciudadanos del pueblo desde el primer censo realizado para una orden de levas de los Reyes Católicos de 1942 -ilustra Nicolás de Maya- hasta hoy), esta escultura está hecha para verla sentado, desde un coche que pasa por la autovía, para que el efecto sea el de unos pies caminando sobre el entramado de apellidos; todo iluminado», describe De Maya, que asegura que Tejedores de luz es «una pieza etérea, mágica y de ensueño; y está hecha para ser observada de noche, porque es cuando todo recobra ese punto mágico».
Pero lo más importante de la obra para este pintor y escultor ceheginero, en la que ha puesto «muchísima ilusión» y en la que han colaborado «desinteresadamente decenas de amigos y familiares, desde ingenieros hasta bailarines, desde topógrafos hasta historiadores», ha sido el proceso de creación «simbólico y muy personal con el que he buscado rendir un homenaje a Cehegín y hacerlo con todas mis ganas, porque nunca más me va a pasar algo así. Es la primera vez que hago arte público y encima para mi pueblo».
Símbolo universal
De Maya incide en que su obra es «un homenaje a las personas que han pasado por Cehegín y que han luchado tantísimo por hacerlo lo que hoy es». Por eso ha escogido la huella, la que dejan las personas; los pies, los que hacen el camino y demuestran que este es un pueblo vivo; el camino con los apellidos, un sendero en la oscuridad; el color blanco, de lo puro de la esencia de las personas que crean este pueblo; y los apellidos, los tejedores de luz, que son los ciudadanos: «Un conjunto de sensaciones». Así explica Nicolás de Maya las intenciones de una obra que «firmo yo, pero que es una obra colectiva porque han colaborado muchísimas personas».
Un apasionante proceso
Hace dos años que Nicolás de Maya recibió el encargo del Ayuntamiento de realizar una escultura para el pueblo -fue en la primavera del 2006 y me dieron libertad total», recuerda el artista- y de inmediato pensó en crear algo que hiciera referencia a las personas de Cehegín y a su memoria, que «son los que en realidad fabrican un pueblo». Buscando en el Archivo Municipal el registro más antiguo, dio con «una orden de levas de 1942, un legajo en el que aparecían enumerados todos los vecinos, desde nobles a plebeyos», cuenta y explica que ha incluido todos los apellidos, hasta el último censo, de los vecinos de Cehegín. «Lo bonito es que es una pieza viva e inacabada, como la historia de los pueblos, y que ese camino se siga prolongando», opina el artífice de Tejedores de luz. «Me parece interesante dar a conocer el proceso, para que la gente del pueblo entienda su significado y para que quien se mofe de ella sepa que se mofan de ellos mismos».
En la parte técnica, que ha dirigido su hermano Cristino de Maya, tampoco han sido pocas las complicaciones. «Han tenido que venir a explicarnos cómo llevar a cabo el proceso de construcción de la pieza con resina, porque pocas obras de estas dimensiones se han hecho con resina, y yo quería que se hiciera totalmente en Cehegín». Hasta un estudio topográfico ha hecho falta para que el resultado final de la obra Tejedores de luz fuera el que buscaba Nicolás de Maya.
Y una vez inaugurada la pieza -«una serie de módulos que se han ido encajando unos a otros», aclara De Maya-, «queda el libro, que es un recuerdo». Diario de un pie: un catálogo que atestigua el proceso creativo a través de imágenes y en el que cehegineros, de las más variadas profesiones, desde sumilleres como Pedro Martínez a coreógrafos como Juan Antonio Saorín, ofrecen su propia visión de la obra de Nicolás de Maya.
LA PIEZA
LA INAUGURACIÓN
Título: Tejedores de luz.
Autor: Nicolás de Maya.
Ubicación: Ronda Este de la Autovía del Noroeste (Cehegín).
Materiales: Conjunto escultórico compuesto por un pie derecho de hombre y un pie izquierdo de mujer (de resina y fibra de vidrio) y un camino (plancha de acero calada) con los apellidos de los cehegineros. Las tres piezas están iluminadas.
Medias: pie derecho (6 x3,80x1,40 m.), pie izquierdo (3,90x3,80x1,40 m.) y camino (1x14x9 m.).
Cuándo: Sábado 25, a las 19'30 h.
Dónde: Ronda Este de Cehegín.
Quiénes: Alcalde de Cehegín, José Soria García, y Nicolás de Maya.
Ojeado en La Verdad.
La artesana yeclana del cristal está realizando un proyecto de decoración para un restaurante de lujo en la capital rusa.
Carmen Martínez Azorín es una artista del cristal que, junto a su compañero Bartolomé Alonso, se lanzó hace ahora quince años desde Yecla al mundo de las vidrieras y el soplado de vidrio para reciclar otros cristales y transformarlos en obras de arte. Multitud de hogares de su pueblo natal y de otros municipios están decorados con sus obras de arte. Sus trabajos han viajado también fuera de España, y pronto montará un restaurante de lujo con sus mejores vidrieras en Moscú.
- ¿Qué ha descubierto en el mundo de las vidrieras?
- Ante todo el juego del color y la luz; ambos elementos producen unas sensaciones y cromatismos verdaderamente emocionantes que ninguna otra obra artística puede ofrecerte. Las vidrieras artísticas son verdaderas obras de arte. En la pintura sólo se da el color pero en las vidrieras tienes que tener en cuenta también la luz; no sólo a la hora de realizarla sino también en el lugar donde va a estar pues según se refleje en ella la luz los colores tendrán una intensidad y formas diferentes.
- ¿Por qué las denominan vidrieras artísticas?
- Porque en sí son un arte: debes conjugar muchos elementos para al final conseguir que la obra transmita armonía, sensaciones de bienestar y guste al cliente y a ti misma. Debes pensar en el cliente que te hace el encargo y también para el sitio que va a colocarse. El gusto personal del cliente es clave para que él se sienta a gusto con lo que va a tener en casa. Son piezas únicas e irrepetibles. También trabajas con diseñadores, con empresas que desean realizar grandes obras para comercios o grandes espacios públicos y entonces la cosa se complica aún más pues debes pensar en las gentes que allí quieres que vayan y se sientan a gusto.
- Sus trabajos han viajado por varios países del extranjero.
- He realizado trabajos para Francia e Inglaterra y actualmente estoy realizando un trabajo de envergadura para un restaurante de lujo de Moscú.
- ¿Cómo son los gustos de los rusos a la hora de ver el vidrio?
- El gusto en Rusia es muy distinto al nuestro; ellos quieren las cosas más muy recargadas, con colores muy intensos; son, digamos, más pretenciosos, podríamos relacionarlo con el estilo rococó.
- ¿Gustan los murcianos por las vidrieras?
- El murciano se deja aconsejar, le gusta mucho el colorido, se nota que es mediterráneo, pero se deja llevar mucho por el gusto del artista.
- ¿Normalmente dónde se colocan las vidrieras en casa?
- Normalmente en lugares de paso, para diferenciar un lugar de otro; también en los portones y en las paredes que dan al exterior. Donde se puede poner un cristal, allí puede haber una vidriera.
- ¿En cuanto a los elementos a utilizar ¿les gustan los animales?
- Realmente se hace de todo, aunque no prevalecen los pájaros. A mí me gusta más trabajara con elementos figurativos, con hadas; o por el contrario con elementos que reproduzcan algo de la naturaleza.
- ¿Y los temas religiosos?
- En los domicilios no suelen introducirse. Son temas casi exclusivos para las iglesias y en ellas yo no trabajo; tengo otros compañeros que sí están especializados en esta materia y al igual que mis trabajos entiendo que tienen un gran nivel artístico en el hogar.
Ojeado en La Verdad.
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