61 pinturas procedentes del Museo del Prado componen la exposición 'El bodegón español en El Prado' que se inauguro ayer en el Centro Cultural Las Claras de Cajamurcia.
"Bodegón con cacharros", de Francisco de Zurbaran.
61 pinturas procedentes del Museo del Prado componen la exposición 'El bodegón español en El Prado' que se inauguro en el Centro Cultural Las Claras de Cajamurcia. Esta muestra de pintura es fruto de un convenio de colaboración firmado por el presidente de Cajamurcia, Carlos Egea, con el presidente del Real Patronato del Museo del Prado, Plácido Arango, y el director del museo, Miguel Zugaza.
'Aves muertas', de Francisco de Goya.
La exposición podrá visitarse hasta el 9 de mayo de 2010 y entre sus obras se incluyen ejemplos de algunos de los pintores más destacados que cultivaron el género, como Van der Hamen, Zurbarán, Hiepes, Arellano, Meléndez o Goya. Esta muestra plantea un completo recorrido que permite apreciar la evolución de la pintura española de bodegones y floreros, desde el Barroco hasta el Romanticismo.
Francisco de Zurbarán consigue transmitir el silencio de la estancia y del momento con esta representación de objetos en su obra titulada 'Bodegón'.
Aunque los primeros antecedentes son clásicos, el bodegón o 'naturaleza muerta' tiene sus orígenes en Europa a mediados del S.XVI, adquiriendo el español pronto personalidad propia, incluyendo indistintamente la pintura de flores, frutas, animales y objetos, casi siempre relacionados con la cocina. El interés por el bodegón ha dado fructíferos frutos en el arte español, incluyendo a grandes creadores del siglo XX como Dalí, Picasso, Juan Gris, Miró.... Todos ellos bebieron de la fuente de los grandes maestros clásicos como Velázquez, Zurbarán, José de Ribera y Goya.
Olisqueado en La Verdad.
El museo ha realizado un amplio trabajo de protección y difusión del Misteri, con María Rosa Verdú como directora, desde que se creara en agosto de 1997.
Fiel defensora del Misteri y su significado, María Rosa Verdú, junto a Lola Peiró y Sol Pérez, ideó un proyecto convertido en realidad el 4 de agosto de 1997 y que se le conoce como Museo de La Festa. Su refugio fue la ermita de San Sebastián y sus objetivos pasaban por transmitir el sentimiento innato al drama asuncionista y difundir su razón de ser. Ahora, llega un cambio de ubicación, pero María Rosa Verdú confía en que "eso no signifique una modificación del espíritu con el que nació".
Más de 12 años al frente del museo es tiempo más que suficiente para valorar si se han cumplido realmente los objetivos con los que configuró el proyecto?
Se han cumplido porque el museo nos ha permitido enseñar a la gente lo que es el Misteri, sobre todo a turistas y escolares, y que eso sirviera de motivo para que luego vinieran a ver las representaciones, especialmente en agosto. Con los escolares, la respuesta ha sido sensacional y, gracias a los profesores, han conocido lo que supone un Patrimonio de la Humanidad. En cuanto a los visitantes, que han venido de todas las partes del mundo, se han visto sorprendidos por la carga de sentimiento y emoción que lleva implícito el drama asuncionista.
- ¿Ha crecido el papel del museo?
El museo se planteó como un museo vivo, no queríamos un modelo clásico. Además, fue el primero de la provincia donde se utilizaron nuevas tecnologías en su desarrollo expositivo. La vida de un museo, según los técnicos, suele ser de nueve o diez años, y siempre hemos sido conscientes que continuamente había que modificar o rectificar algo... pero el discurso no se ha cambiado nunca. Y por ello hemos conseguido que, aunque el espacio es reducido, la gente se lleve una idea muy exacta de lo que es La Festa.
- ¿La gente ha asumido ya el papel y el trabajo que se está realizando en el Museo de La Festa d'Elx y su contribución a la sociedad cultural?
Yo creo que, poco a poco, se ha ido asumiendo desde hace años. Pruebas... los grupos de turistas que nos vienen todos los días, las visitas de congresistas o de agencias de viajes y, sobre todo, los colegios que van pasando por aquí. Y centros no sólo de Elche, porque también nos han visitado del resto de la provincia, Murcia y Valencia. Creo que hay mucha gente que se hubiera ido de Elche sin conocer el Misteri de no haber sido por el museo.
- La actual ubicación en la ermita de San Sebastián permite transmitir muy bien parte de las sensaciones que se viven en las representaciones, ¿será igual con el nuevo proyecto y lugar (convento de las Clarisas) para el museo que ha presentado el alcalde, Alejandro Soler?
Creo que va a ser otro concepto de museo y tiene que ser distinto, entre otras cosas porque el edificio condiciona mucho.
- ¿Quiere decir que cambiaría totalmente el planteamiento y el espíritu con el que se puso en marcha el actual museo sobre el Misteri?
Yo creo y espero que el espíritu no, porque de lo que se trata es de difundir La Festa, pero habrá que ver cuál es el ambiente que se le pueda dar al museo en la nueva ubicación, sobre todo en la parte del audiovisual. Hay que tener en cuenta, además, que habría que empezar prácticamente de cero en el equipamiento porque está todo hecho a medida de las necesidades actuales.
- Y luego está la investigación...
Yo creo que es importante, quizás no en la medida que todos quisiéramos porque investigación sobre La Festa tampoco se produce de una forma exagerada. De todas maneras, ahí están las tesis, trabajos universitarios, documentales...
- ...Y la falta de memoria histórica sobre las tradiciones o el desconocimiento de la realidad.
No existe la misma situación sociológica que antes, cuando nuestros familiares nos acercaban desde muy pequeños al Misteri, porque no habrá que olvidar que el espectador forma parte de la representación. En los niños también se nota ese desarraigo respecto al Misteri, y aquí debemos de contribuir todos, en la familia, en los colegios y desde el propio museo, como creo que lo estamos haciendo desde hace años.
- El Misteri y el museo están unidos a su piel desde hace años. En 1979 como concejal de Cultura ya entró a formar parte de la Junta Local Gestora como representante municipal, y desde el 1982 hasta ahora como patrona...
Yo nunca me he planteado el Misteri como algo que personalmente me pudiera beneficiar. Creo que al Misteri se le viene a servir y no a servirse de él. Reconozco que soy una apasionada de La Festa, pero ese cariño me hace ser crítica porque quiero lo mejor para ella y las representaciones. Todo lo demás ha venido añadido, como el ser directora del museo... la verdad es que te compromete mucho, te asusta incluso, porque asumes una responsabilidad a la hora de querer hacerlo lo mejor posible y de no estropear la historia.
- ¿Cómo vive el apartado económico del museo?
Sólo en su construcción hubo apoyo de instituciones como la Generalitat, la CAM o la Diputación, porque hoy en día es el Ayuntamiento el que se hace cargo de todo y gracias a él seguimos vivos.
- ¿Casi como en el presupuesto del Patronato del Misteri?
En la sesión del Patronato del pasado agosto ya dije que necesitábamos que aumentaran las aportaciones de la Generalitat (que la ha bajado) o de la Diputación (que mantiene sus 24.000 euros desde hace años) para poder cubrir el presupuesto de 2010. Pero está claro que la atención que merece un Patrimonio de la Humanidad como el Misteri no se ve correspondida ni por la Generalitat ni por la Diputación.
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Aparte de que le guste pintar y no cese de hacerlo, Fuensanta Hortolano Gómez dispone de otras motivaciones para insistir en esta actividad artística, que la mantiene cercada desde hace muchos años. No puede olvidar que es sobrina de dos famosos personajes murcianos: el pintor Antonio Gómez Cano y de Carlos, también pintor y carrozista ilustre. Actualmente expone en Cafetería Pórtico, hasta final de mes.
- ¿Está su pintura pasada de moda?
- Mi pintura es de corte expresionista y que puedan decir que está pasada no me preocupa, porque yo pinto como me gusta. Hace unos días, el catedrático Germán Ramallo vio la exposición y me dijo que él veía mis cuadros con unas evocaciones fovistas, porque tienen mucho color. Pero, al margen de lo que unos u otros digan lo que siempre intento es pintar a mi manera.
- Hace mucho tiempo que no expone.
- Es que no llevo las exposiciones con la rigurosidad o la frecuencia de otros pintores. A mis veinte años, expuse por vez primera en la Casa de Cultura, que ahora es el Museo Arqueológico. Cuando creo que tengo una serie de obras adecuadas, expongo, con la pretensión de que puedan verse mis cuadros; y, si de paso, se venden, pues aún mejor.
- Lo que hace gracia es cuando dice que a estas alturas está intentando pintar. Parece como si le costase trabajo hacerlo.
- No es eso. Lo que hago es buscar tiempo, porque también estoy ocupada en otras actividades. Para mí, pintar no sólo consiste en coger los pinceles y ponerse delante del cuadro. Yo necesito concentrarme debidamente a partir del momento en que creo que estoy inspirada y con ganas de hacer.
- ¿Dónde se encuentra la inspiración?
- Sobre todo, yo creo que depende del estado de ánimo. Supone un esfuerzo, día a día, porque hay que estructurar el cuadro, estudiar los colores, y concretar la figura o el paisaje que se quiere recoger. Yo sé que hay que someterse a un trabajo duro, para que pueda surgir un cuadro de calidad.
- ¿No ve su pintura también un poco infantil?
- Yo no la considero así. Lo que sucede, quizá, es que todavía está dentro de unas formas figurativas. Hay también quien la ha calificado de naif, pero no es mi forma de hacer. Yo expreso el color del modo más libre posible, aunque esté dentro de la figuración.
- ¿Atraviesa el arte una etapa difícil, acaso también afectado por la cacareada crisis?
- Efectivamente. Se está pasando una mala época. Todo el mundo lo nota y, de forma más intensa, los artistas. Si la obra no tiene una salida económica repercute y sugiere llevarte al abandono, a la depresión, a la desmoralización.
- Cuando se sigue es porque hay fe en lo que se está haciendo.
- Sí, claro. Yo llevo la pintura en la sangre, desde mi abuelo Gómez Sandoval y mis tíos. Yo pinto desde los seis años y nunca he dejado de hacerlo, con épocas más intensas o menos.
- Habrá aprendido de sus antecesores.
- No. Yo me inicié sola. Mi tío Antonio me hacía visita, pero era para fijarse en mi obra y corregir posibles defectos. Él me decía que yo había nacido como animal pintor, me animaba mucho. He sido autodidacta totalmente.
- ¿Cree que ha llegado a un tope, a una altura?
- Creo que puedo hacer cosas mejores; por eso espero seguir.
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Joven en edad y espíritu, la trayectoria pictórica de Manuel Pérez ha sobresalido ante todo fuera de las fronteras de la Región. Ahora se ha lanzado a un nuevo reto, la escritura. Un tomo, de esos que hay que sostenerlo con ambas manos, ha puesto a disposición de los lectores bajo el título 'El camino de los sueños'. Hoy (20’00 horas), junto a uno de sus amigos y maestro, Manuel Belzunce, lo presenta al público, en el Museo Ramón Gaya de la capital murciana.
- ¿Por qué la elección del título 'El camino de los sueños'?
- 'El camino de los sueños' tiene que ver con la búsqueda que se produce cuando se investiga pintando. Es el camino que se recorre, la experiencia del viaje de la pintura misma, es la ilusión, la fortaleza y el ímpetu, el impulso de seguir caminando, profundizando en la pintura
- ¿Es un camino pedregoso, con baches, está asfaltado y sin curvas o es también un sendero que lleva a lo freudiano?
- Es un camino de ilusión y de lucha con uno mismo. Es la búsqueda incesante en la realidad que nos rodea y que compartimos, en el que uno se encuentra con cuando se consigue un logro, un paso más, y con desesperación cuando se produce el deseo de completar lo que se anhela. Es la armonía, la vitalidad, totémica, la ternura, lágrimas, sublimación....todo mediante la pintura, como herramienta de búsqueda.
- ¿Está satisfecho con el resultado obtenido?
- Lo hicimos lo mejor que pudimos, tanto yo como los profesionales que se embarcaron en este proyecto; empezando por Pedro Manzano como diseñador; los fotógrafos Joaquín Clares, Ángel Fernández Saura,Javier Salinas; la poesía de María Nanzano. De los textos, el crítico de arte Arnau Puig, el mismo Pedro Manzano y Julián Pérez Páez; y también de los pintores Manolo Belzunce y José Lucas, así como de todos los técnicos de la imprenta que han hecho posible esta obra.
- ¿Puede decirse de las 391 páginas que comprende el texto que es la compilación de la trayectoria artística de Manuel Pérez?
- El libro está basado sobre todo en los últimos tres años de trabajo. Creo que se puede tener una idea aproximada a lo que estoy haciendo en la actualidad, después de leer y visualizar la obra reproducida, sólo hemos introducido un pequeño muestrario de obra anterior al 2007 para la mejor comprensión de la pintura mas reciente.
- Existe una gran predominancia del color amarillo. ¿Qué supone para ustedes este color?
- El color amarillo es fruto de la luz y del paisaje, quizás que sólo un reflejo.....es el color capaz de reflejar más la intensidad de la luz aparte de blanco.
- ¿Qué es más fácil de dominar un lápiz o una brocha?
- Son igual de difíciles las dos cosas, es cuestión siempre de intentar hacerlo lo mejor posible. Imponerse retos, superarse. Con las herramientas de trabajo que uno utilice es lo de menos, lo importante es intentar perfeccionarse al máximo y tener un buen discurso que conmueva y que te haga reflexionar sobre lo mas profundo de la vida.
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El Museo de la Ciudad inaugura hoy una exposición que viajará por la Región, Alicante y Madrid.
Empezó hace varios años, aunque ha querido que su particular homenaje a Miguel Hernández coincidiera con el centenario del nacimiento del poeta oriolano. Afirma que estudió en profundidad su obra; y de ello han ido surgiendo hasta cerca de trescientos bocetos que se han concretado en los treinta y un cuadros que ha pintado Antonio Alarcón Felices para la exposición que esta tarde se inaugura en el Museo de la Ciudad.
«Es que -asegura- soy un auténtico devoto de Miguel Hernández y de poesía, desde hace muchísimos años, desde que lo descubrí. Y fue por casualidad, allá por los años sesenta. Mi admiración ha sido tanto hacia su persona como hacia su obra».
Cada uno de los cuadros es la transformación de un verso o una estrofa hernandiana en un tipo de pintura simbólica. «Desconozco cómo los espectadores puedan interpretar estas obras mías, pero la verdad es que se trata de algo que no me preocupa. Yo he querido dar una visión muy 'sui géneris', a mi manera, de unas nanas, poniendo en ellas todo lo que puedo tener de pintor, si es que tengo algo, y también lo que tengo de persona y de hombre con unas ideas».
La exposición también incluye un retrato del poeta, que «en parte -dice Alarcón Felices- viene a ser la reproducción de algún otro famoso retrato del poeta, en el que se incluyen determinadas recuerdos o poses suyas muy populares». Se trata de un retrato que «me ha costado trabajo y sentimiento, porque en él he querido volcar lo que yo pensaba sobre Miguel Hernández y las circunstancias y avatares de su vida».
Añade el pintor que también le ha costado interpretar simbólicamente esos versos, ya que le han supuesto años de trabajo, aunque, «como ya tenía adquiridos los conceptos, convertirlos en pinturas me ha sido menos difícil de lo que a muchos pueda parecer. Los bocetos no eran la definición clara y exacta de cómo iba a ser cada cuadro, pero me han servido de guía. Yo me conformo con que el conjunto de la exposición ofrezca una visión decente hacia la figura del poeta y hacia mí mismo».
Cada cuadro, un sello
Cada uno de los cuadros aparece marcado por un sello muy singular, en el que se incluye no el destino al que puede ir dirigida una carta, sino el nombre de las ciudades donde nació y murió el poeta y las cárceles por las que pasó, tras la guerra civil. «Para llegar a concretar ese sello tan particular me vi obligado a realizar treinta y cinco bocetos. A veces una cosa que parece muy simple puede resultar muy costosa cuando le queremos inyectar determinados matices o símbolos».
La exposición viajará a otras dieciséis localidades y ciudades murcianas (Molina, Cieza, Calasparra, Yecla…) y alicantinas, (entre otras, Elche, en el Centro de Estudios Hernandianos), y acabará su periplo en la sala que la Fundación Cajamurcia tiene en Madrid.
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El autor de la donación, Ximo Mas, formó esta colección durante los años setenta y los ochenta del siglo XX.
El Museo Arqueológico de Dénia ha recibido, en concepto de donación, una importante colección de piezas arqueológicas subacuáticas, relacionadas con las cargas de algunos barcos hundidos de época romana, descubiertas en puntos de la bahía de l'Almadrava y l'Antinar, en la costa del municipio, según informó hoy en un comunicado el Ayuntamiento dianense.
El autor de la donación, Ximo Mas, formó esta colección durante los años setenta y los ochenta del siglo XX. Estos materiales arqueológicos se relacionan con las cargas de algunos barcos hundidos de época romana y fueron localizados entre la Punta Norte que cierra la bahía de l'Almadraba y el río Girona. Se trata, según el autor de la donación, de hallazgos casuales efectuados a lo largo de los años durante el ejercicio de actividades de pesca y esparcimiento.
El Museo Arqueológico procederá en breve a la catalogación de las piezas, así como a confirmar la localización de los puntos de origen de los hallazgos. Las donaciones ofrecen datos relevantes a la rica carta de hallazgos subacuáticos en la costa de Dénia.
Parte de una de las piezas donadas.
Una primera inspección de los objetos, que ya han sido depositados en las dependencias del museo, permite destacar varios fragmentos del tercio superior de ánforas Tripolitania I, una de ellas con un singular sello con cartela ovoidal y letra púnica. Son ánforas provenientes de Tripolitania (Libia), que transportaban aceite desde el norte de Africa entre el siglo I a. C y I d. C.
Asimismo, se incluye yn fragmento del tercio superior de una ánfora Dressel 30, proveniente de Mauritania Caesarensis (Argelia); varios fragmentos de ánforas africanas y del este del Mediterráneo, del bajo imperio y época romana tardía; dos objetos de plomo; dos escandallos de bella factura: uno en forma de campana y de época romana y el otro macizo, de la baja edad media; una importante pátera o platillo de barniz negro y otro de Campaniana A y cerámicas comunes que reflejan unos contextos de los siglos III y II a. C.
Estas piezas constatan el papel de la bahía de l'Almadrava como "punto de anclaje" durante los siglos de la cultura ibérica, donde se abastecerían de vajilla de mesa y cocina, de aceite y de vino, entre otros, el poblado de altura fortificado emplazado en la cima de la Sierra de Segaria.
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Presentado 'Correo interior', de Dionisia García en 'El libro del mes' del Museo Gaya.
Puede que hoy, al levantarse de la cama Dionisia García (Fuente-Álamo, Albacete, 1929), lo primero que haga sea desperezarse con desgana, como le gustaba hacer de niña. Y puede que también, si se deja llevar por sus recuerdos, su cuerpo frágil avance hacia la puerta del dormitorio para llamar a su abuela, que hace ya tiempo que habita entre los muertos, pero que en su memoria reina todavía deslumbrante y amorosa, capaz de plantar cara a las nubes más negras y a las desgracias familiares que llovieron sobre su casa con patio. Llamando a su abuela, así arranca 'Correo interior', el libro de relatos autobiográficos, publicado por Renacimiento, que Dionisia García ha regalado a sus lectores, y que en el tiempo que el Museo Ramón Gaya dedica a 'El libro del mes' presento ayer.
Un 'Correo interior' poblado por seres amados, descubrimientos, grandes dosis de calma y de ternura y algunos golpes bajos, terribles, vinculados a la madre y a los hermanos muertos mucho antes de tiempo. Biografía y ficción se dan la mano amable en esta obra, con la que Dionisia García viaja a su infancia; eso sí, se ha cambiado el nombre por el de Alejandra, una niña frágil pero llena de curiosidad y de ímpetu por vivir y por descubrir silencios escondidos. «Quizás ahora, con los años, sea una persona mucho más serena, pero el ímpetu por vivir y la curiosidad por la vida no me han abandonado», dice la autora, que vive una inagotable historia de amor con la escritura: «A veces me pregunto hasta cuándo va a durar este deseo de escribir, porque el día en que la fuente se seque, yo pienso dejarlo».
Hoy, esta mujer elegante que a veces consigue el escalofrío con sus versos, que suelen proporcionar a sus lectores una emoción extraordinaria y nada avasalladora, acudirá al Museo Ramón Gaya sin hacer apenas ruido, discreta y agradecida por las atenciones de que es objeto. Con 'Correo interior' le ha dado un descanso a la poesía, pero es sólo un paréntesis pasajero porque Dionisia García cree firmemente que, de algún modo misterioso, la poesía nos salva: «Vemos que el arte, a través de la Historia, no nos ha salvado de casi nada. En Auschwitz se oía música de Bach, Beethoven, de Mozart, mientras se estaba incinerando a las personas en los hornos crematorios. Sin embargo, yo sí pienso que el arte y la poesía nos salvan de muchas cosas. Para mí, escribir un poema es un momento de luz, no sé si útil, pero valiosísimo».
De hecho, abunda la prosa poética en este 'Correo interior' donde resucitan los días de la infancia que dejaron huella en la escritora, y de los que ella ha ido a su vez dejando huellas suaves y precisas en muchos de sus poemas y narraciones, que son cantos necesarios al hecho de estar vivos, homenaje a los seres que se fueron -por ejemplo: a la abuela «que fue mujer de negro con rostro de alegría»-, y también lamento por el dolor que recorre el mundo y casi siempre maltrata aún más a los ya heridos, como el infierno de Haití acaba de demostrar una vez más.
No dejarse vencer
Dionisia García, cuya obra jamás renuncia a la transparencia, se propuso un buen día no dejarse vencer por el desánimo, ni acomodarse en las derrotas, así en la vida como en la poesía. «Este mundo en el que estamos tan desencantados es también muy hermoso», asegura. Otro día, de niña, cuenta en 'Correo interior', entró en el dormitorio de su padre «con intención de abrir el armario de luna. Tras no pocas dificultades, su rostro resplandeció al conseguirlo. Alargó la mano hasta coger la caja blanca rosada que contenía chocolates». Desde entonces, sonríe cuando ve un armario de luna. Y adora el chocolate.
Olisqueado en La Verdad.
Martes 19 de enero de 2010, a las 20’30 h. inauguro una exposición de pintura denominada "CUERPO ITINERANTE", en ella expongo una serie de trabajos urbanos, de los realizados al aire libre, por los distintos pueblos de España, así como unos cuantas obras sobre la figura humana y el desnudo. Será en el Museo de San Javier, y ojalá pueda veros por allí.
Javier Lorente.
El Ayuntamiento confía en que la instalación, que se ubicará en la iglesia de la Mare de Déu, pueda ser inaugurada a finales de año.
El Museo de la Cabalgata de los Reyes Magos de Alcoy quedará ubicado en el recinto del templo de la Mare de Déu.
El Ayuntamiento de Alcoy mantendrá a lo largo de 2010 una programación específica en torno al 125 aniversario de la Cabalgata de los Reyes Magos, y con el objetivo de que pudiera clausurarse con la inauguración del Museo de la Cabalgata, un proyecto incluido en la Luz de las Imágenes.
El Ayuntamiento, a través del gobierno del PP, anunció tiempo atrás su intención, de común acuerdo con la Asociación de San Jorge, de impulsar un proyecto de Museo de la Cabalgata, que recogiese y mostrase el patrimonio de los Reyes Magos en Alcoy. Esta iniciativa se ha plasmado alrededor del proyecto de la Luz de las Imágenes que la Conselleria de Cultura ha gestado para Alcoy, y que debe materializarse a corto plazo.
En concreto, para el museo se utilizará el recinto de la iglesia de la Mare de Déu, que está situada a pocos metros del Museo de la Festa y del Museo Arqueológico, y también relativamente cerca del Explora, ubicado en el cauce del río. El templo está en desuso desde hace dos décadas, debido a la despoblación progresiva que sufrió el casco antiguo de Alcoy; de hecho, la Conselleria informó hace unos meses que el recinto ya ha sido desacralizado por el Arzobispado de Valencia, lo que permitirá desarrollar actividades laicas en su interior. Cabe recordar que el Ayuntamiento y el Arzobispado pactaron una permuta, a cambio de terrenos en Santa Rosa, frente al campo de El Collao, para la construcción de la nueva parroquia para este barrio.
El recinto de la Mare de Déu será objeto de una amplia intervención urbanística, en el seno de la Luz de las Imágenes, que implicará sobre todo la consolidación del edificio, ya que su estructura presenta evidentes signos de deterioro desde hace años; incluso se ha tenido que apuntalar la nave central.
Este proyecto está a cargo de los arquitectos Santiago Varela y Màrius Bevià, que plantean una doble intervención: Una en el edificio propiamente dicho y otra en el entorno urbano. La primera parte incluirá la consolidación de la bóveda y la restauración de la cubierta y la fachada, así como la reposición de los enlucidos y pavimentos; la segunda, la adecuación de los solares que lindan con la fachada de la Asociación de San Jorge y el Museo de la Fiesta.
El propósito del Ayuntamiento de Alcoy es que el proceso de rehabilitación esté terminado durante 2010, de manera que el Museo pueda ser una realidad antes de que concluya la celebración del 125 aniversario, que se prolongará hasta la próxima edición de las fiestas epifánicas.
Olisqueado en el Diario Información.
María Comas Gabarrón es el punto de inflexión entre la cultura, el patrimonio arqueológico y el turismo. Es capaz de trasladarte mentalmente veinte y cinco siglos atrás y vivir en aquel momento, por lo que una visita turística se transforma en un profundo saber. Cartagena es su patria chica, donde es feliz con sus dos hijos, pero tiene los brazos abiertos para comunicar a quienes se acercan a su lugar de trabajo, el museo arqueológico municipal, para transmitirte la importancia de lo que uno está viendo para el desarrollo histórico de toda la Región.
-¿Qué importancia tiene el Museo Arqueológico de Cartagena para la ciudad y para la Región?
-El Museo Arqueológico Municipal Enrique Escudero de Castro es el museo más antiguo de la ciudad. Cuenta con una gran cantidad de materiales arqueológicos procedentes de Cartagena y toda la comarca, con lo cual el visitante puede tener una idea clara y completa de la historia de la ciudad. Somos un referente.
-¿Qué es lo más característico del museo?
-Su emplazamiento. Se levanta sobre los restos de una necrópolis paleocristiana de fines del siglo IV y principios del V después de Cristo.
-Observo que conservan gran cantidad de material arqueológico.
-En este museo se exponen los elementos de modo sucesivo, desde la prehistoria hasta la romanización, además de los periodos tardorromano, medieval y moderno. A la prehistoria se dedica la primera parte de la exposición, donde se muestran materiales desde el Paleolítico hasta la edad de los metales. De la Edad del Hierro destacan los materiales procedentes de la necrópolis de Los Nietos. La mayor parte se dedica a la romanización, disponiéndose los materiales de forma temática, epigrafía, escultura, programas arquitectónicos y decorativos, entre otros. La minería, uno de los ejes principales de la economía y el proceso de romanización, está representada con materiales y útiles que utilizaron en esta zona. Al periodo tardorromano se dedican espacios centrados en la arquitectura y el comercio de la época, destacando la afamada inscripción conmemorativa de Comenciolo, óptimo exponente de la presencia bizantina en la ciudad.
-¿Cuál es su pieza favorita?
-La cabeza de niño en mármol blanco de Paros; también es la que más gusta a todos cuantos la ven. Es una pieza bellísima datada entre el año 40-50 después de Cristo, de una gran calidad artística, se trata de un retrato infantil de un niño de unos 6 años de edad. La imagen, que por sus facciones está sumamente idealizada, lleva corona de encinas entrelazada con telas, que se ciñe a su cabeza. Se encontró en la calle Cuatro Santos, en 1857.
-¿Que importancia tiene la epigrafía en esta colección?
-La colección epigráfica es muy extensa, precisamente es la colección más antigua que posee este museo. Tiene su origen en el siglo XVI, con el obispo Sancho Dávila y más tarde se fue incrementando en el siglo XIX. Contamos con una pieza recuperada a finales del siglo XVII, la inscripción de Comenciolo. Es una placa rectangular realizada en mármol del Cabezo Gordo y alude a la intervención del Magíster Militum Comentiolus sobre las murallas de la ciudad. Este epígrafe es sin lugar a dudas, el más importante conservado de época bizantina en nuestro país.
Fisgoneado en La Verdad.
El siglo XIX 'resucita' en el renovado Museo Nacional del Romanticismo, que abre al público el viernes después de nueve años.
El comedor, un espacio para la familia.
Que nadie lo niegue. Hay pocas cosas tan estimulantes como mirar por el ojo de una cerradura. El curioso que llevamos dentro disfruta viendo sin ser visto, como espectador inopinado de interioridades ajenas. A gran escala, el nuevo Museo Nacional del Romanticismo ofrece justo eso, una mirada íntima a toda una época, los decenios centrales del siglo XIX, y a un estamento, la alta burguesía, en pleno despegue socioeconómico en aquella España. Cómo comían y dónde evacuaban (con perdón) esas familias, sus fiestas, el 'apartheid' doméstico de las mujeres, el rincón de juegos de sus cachorros... El museo reabre sus puertas este jueves con todo su arsenal tras un parto muy largo. Nueve años cerrado, ocho de obras. Renace con nueva categoría como institución nacional -la primera división de la liga museística- y ofrece, más que nunca, «una conexión inmediata» con el romanticismo español. «Es una joyita», dice entusiasmada su directora, Begoña Torres. Un espacio recoleto, una bombonera recargada, como lo eran las casas patricias en el reinado de Isabel II (1833-1868), cénit del estilo romántico español. Dorados, oropeles, brocados, arañas de cristal, instrumentos de cámara, retratos y porcelanas, 6.000 objetos pueblan las 26 salas del palacio de Matallana, del siglo XVIII, como antítesis del minimalismo. «Frente a esos museos enormes, fríos, aquí están las piezas a la mano, te arropan, y te facilitan la comprensión de la época», señala Torres.
Alcoba femenina con cuna y dosel.
Son las piezas y cómo están dispuestas, lo que cuentan. El piano Pleyel de la propia reina, ese arpa gótica en el salón de baile, decorado en rosa y oro. Casi se puede oír el frufrú de sedas y miriñaques, el aleteo de los abanicos, armas de seducción masiva en manos de las damas decimonónicas. Están el oratorio, con el retrato de San Gregorio Magno, de Goya, para nutrir el alma, y el saloncito de fumar, oriental y exótico, para placer exclusivo de los caballeros. El cuarto de higiene masculina, los primeros espejos de cuerpo entero que dejaron de ser privativos de la nobleza, los 'donpedros', retretes portátiles que luego la servidumbre vaciaba. Entre las piezas se incluye también el 'trono' evacuatorio de Fernando VII, propiedad del Museo del Prado. La insistencia en el tema de las aguas mayores y menores no es banal; en esos años los buenos usos de aseo e higiene corporal empezaban a prender con fuerza entre las castas más pudientes.
En el siglo XIX la igualdad de género, la conciliación, eran entelequias. El universo femenino intramuros del hogar resultaba asfixiante. La buena mujer era «la buena madre, la buena esposa, la buena dueña del hogar, su único horizonte. Se las consideraba seres delicados, sin sustancia y sin capacidad para afrontar el mundo exterior», explica la directora Torres. La alcoba femenina, con la cunita de bebé al lado, el ajuar, puntillas, encajes y artículos de tocador, se recrea con precisión. En el museo no hay muros divisorios, todas las estancias fluyen en un continuo, pero la separación entre los ámbitos masculino y femenino es tan nítida como la frontera que entonces confinaba a la mujer entre las cuatro paredes de casa, sin acceso a la vida pública.
En memoria de Larra. La supuesta pistola con la que Mariano José de Larra se quitó la vida en el año 1837. El periodista tenía 27 años de edad, pero retrató toda una época a través de sus escritos.
Las pistolas de Larra
Creado en 1924 por el segundo Marqués de la Vega-Inclán (1858-1942), 'padre' también de los museos Casa del Greco (Toledo) y Casa de Cervantes (Valladolid), el Museo del Romanticismo permite distintas lecturas. Además, del escrutinio al corazón de la vida altoburguesa, ofrece a los visitantes un curso acelerado de historia de España. Las artes decorativas y pictóricas, porcelanas, óleos, lienzos, ilustran las convulsiones dinásticas al final del reinado fernandino, el germen de las guerras carlistas de sucesión y el ascenso al trono de la niña Isabel.
Abanico ilustrado con escenas del regreso de las tropas de África.
Y está Larra, claro, paradigma máximo del Romanticismo español. Una sala lleva su nombre, presidida por un retrato del 'pobrecito hablador' y las supuestas pistolas con las que se descerrajó el tiro fatal. Todo indica que son falsas pero quedan muy aparentes. El suicidio, tan caro a la literatura romántica de arrebato y desespero, se evoca con cierto sarcasmo en dos óleos de Leonardo Alenza, 'Sátira del suicidio romántico' y 'Sátira del suicidio por amor'. Descontento vital y sátira, dos características del XIX «de plena actualidad ahora», apunta Begoña Torres.
'Sátira del Suicidio Romántico', de Leonardo Alenza.
El museo completará su exhibición permanente con exposiciones temporales, conferencias, conciertos, simposios e investigación sobre la época romántica. Y sin perder de vista la mercadotecnia. Una tienda de regalos y un salón de té abiertos al público servirán de cebo para atraer a los visitantes a este enclave del Madrid más castizo, entre los barrios de Chamberí y Malasaña. Pretende ser un oasis de calma en medio de la gran ciudad a partir de la semana próxima.
Un brasero, signo del confort burgués.
Estos días resulta difícil invocar el espíritu de Larra en medio del trajín de operarios que, poco antes de la hora 'd', aún fijan rótulos, prueban la megafonía o atornillan paneles en el museo. Esto es España y hay cosas que no cambian, en el siglo XIX o en el XXI. El caos previo a una inauguración es tan consustancial como el milagro final; todo estará a punto para la bendición oficial de la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, hoy jueves. Usted, ciudadano de a pie, vuelva mañana, que diría 'Fígaro'.
Del viernes al domingo serán jornadas de puertas abiertas, gratuitas para el público. No se apelotonen; el aforo máximo es de 100 personas a la vez. Las bomboneras es lo que tienen.
GUÍA PARA EL VISITANTE
Museo Nacional del Romanticismo. Tel.: 914481045, C/ San Mateo, 13. Madrid.
Horarios: de noviembre a abril, de martes a sábados: 09'30 a 18'30 h. De mayo a octubre, de martes a sábados: 09'30 a 20'30 h. Domingos y festivos: de 10'00 a 15'00 horas. Lunes cerrado.
Precios: entrada general, 3 euros. Precio reducido para determinados colectivos, 1,50 euros. Gratis los sábados a partir de las 14'00 h. y los domingos.
www.museoromanticismo.mcu.es
Fisgoneado en La Verdad.
Los crevillentinos Antonio Pérez y Matilde Maciá exponen su particular colección de artesanía de esparto con miles de piezas.
Un matrimonio de crevillentinos, Antonio Pérez y Matilde Maciá, poseen un museo de artesanía a base de esparto e hilo. La pareja empezó a trabajar el esparto cuando el hombre se jubiló, hace once años, ya que sus padres vivían de él vendiéndolo o intercambiándolo por comida en la Vega Baja. Después de once años, el matrimonio expone en un cueva típica todo su trabajo en el que, además de alpargatas, gorros y capazos, muestran reproducciones en miniatura de columpios, una noria, un carro de helado o telares de alfombras.
En una típica cueva del popular barrio de la Salud de Crevillent, un matrimonio de jubilados, Antonio y Matilde, de 74 años de edad, ha dado vida a un verdadero museo de artesanía autóctona a base de artículos de esparto e hilo.
Como antaño hicieran sus padres, Antonio Pérez se ha dedicado, desde que se jubiló, a trabajar el esparto, una mata que recoge de la Sierra de Crevillent y con la que, junto con su mujer Matilde Maciá, ha sido capaz de realizar todo tipo de figuras artesanas. Primero, empezaron con los típicos capazos y alpargatas de este material, y después siguieron haciendo con el esparto cualquier objeto o cosa que se les pasara por la mente.
Como resultado de esta singular afición, y en la misma cueva en la que hace 74 años nació Antonio, el matrimonio ha instalado su museo particular con todas sus piezas de artesanía. Una cueva, pegada a su vivienda habitual, que abren y enseñan a tantas personas como estén interesadas en visitarla y conocer su trabajo de primera mano.
En el hogareño museo exponen miles de piezas hechas a base de esparto y hilo. Alpargatas, alfombras, gorros y capazos comparten protagonismo con reproducciones en miniatura de columpios, una noria, un carro de helados e incluso varios telares para fabricar alfombras. Además, Matilde ha confeccionado una serie de muñecas de hilo. Algunas de ellas son reproducciones de protagonistas de dibujos animados y personajes de películas.
El esparto y Manuel llevan unidos toda su vida. El crevillentino explicó que "yo nací en esta misma cueva, y durante toda mi vida he visto como mis padres vivían del esparto. Ellos lo recogían de la sierra y lo trabajaban para luego poder venderlo, o intercambiarlo por comida, en la Vega Baja". Antonio Pérez indicó que, "cuando me jubile, hace once años, empecé a hacer cosas con el esparto y, poco a poco, con mi mujer hemos logrado montar el museo".
Matilde Maciá aseguró que "tenemos muchas cosas guardadas porque ha llegado un momento en el que no nos cabe todo en la habitación de la cueva". El pequeño museo suele recibir visitas de vecinos de la localidad que lo conocen y llevan allí a personas conocidas. Matilde dijo que "mucha gente viene y quiere comprarnos algunas cosas, pero nosotros no vendemos. Lo hacemos porque nos gusta y no sabríamos ponerle un precio".
El trabajo del esparto no es fácil. Antonio aseguró que "para manejarlo bien tienes que conocerlo. Sólo así y con inteligencia puedes llegar a hacer lo que quieras con él".
Hasta la fecha, han sido varias las ofertas que el matrimonio de crevillentinos ha recibido para trasladar su trabajo hasta un museo pero, pese a su avanzada edad y que ninguno de sus cuatro hijos sigue, de momento, su tradición, consideran que la obra es suya y, por eso, sólo debe permanecer en su casa.
Fisgoneado en el Diario Información.
No sólo habrá espacio para la pintura y la escultura; vamos a programar ciclos de documentales, talleres para adultos y encuentros con artistas de la Región.
Elegancia, porte señorial, trato exquisito; baja a recibirte desde su propio despacho y te acompaña a despedirse hasta la misma puerta del museo, que casi quiere más que a su propia madre. Es cartagenera, y no puede disimularlo que lo lleva en la sangre, «incluso domino algo del icue», dice ella de su lengua madre cartagenera. Licenciada en Geografía e Historia es autora de varias publicaciones. El próximo jueves, abrirá las puertas del MURAM para exponer Poéticas del siglo XX; y el día 15, llegará la exposición El legado de González Moreno.
- El MURAM está situado en Cartagena, ¿hubiese tenido mejor ubicación en un municipio del centro geográfico de la Región?
- Cartagena es un lugar ideal por la riqueza de patrimonio modernista que tiene ya de por sí esta ciudad portuaria. Cartagena posee una gran diversidad de arquitectura modernista, pues en el siglo XIX es cuando se fragua el arte moderno y esta ciudad en aquellos momentos era centro álgido de esplendor económico, y por tanto de desarrollo en edificaciones y arte típicas del momento. Además, ahora esta ciudad se ha convertido en destino cultural de primer orden.
- Se ha aprovechado para la ubicación del museo el Palacio Aguirre. ¿Se podía haber construido un edificio exclusivo para este museo?
- Por una parte merecía la pena aprovechar la oportunidad única del Palacio Aguirre; si bien, como ha observado usted, se ha construido un anexo más moderno dirigido por el arquitecto Lejarra. Incluso está en proyecto la construcción de otro edificio anexo. Se ha conjugado la mejor de las soluciones arquitectónicas: reutilizar un edificio histórico, y, a su vez, realizar una construcción moderna.
-¿Tan importante es este palacio?
- Es un edificio emblemático del arte moderno. Se construyó en el año 1901 por el arquitecto Victor Beltrí. Es un edificio ecléctico-modernista con influencias en sus motivos decorativos de los encargos que le hizo el propio Aguirre
-¿Qué proyectos piensa llevar a cabo para responder a las demandas de todos los murcianos en este tipo de arte?
- Realizaremos exposiciones de calidad que nos demanden y propongan, y que abarquen diferentes aspectos del arte moderno. Se va a tratar el modernismo. Estamos abiertos a todas las sugerencias e ideas que nos propongan. Somos el museo más joven de la Región y hemos abierto las puertas con la exposición de Rodin. Conjuntamente con las nuevas exposiciones se realizarán ciclos de películas, documentales sobre grandes artistas españoles del siglo XX como Picasso, Dalí y Miró. También talleres para adultos. Encuentros en el MURAM con artistas regionales, entre otras actividades
- ¿Potenciará a los artistas de la Región o irá más bien en busca de autores de otros lugares?
- Nos centramos en arte modernista, es decir, desde finales del siglo XIX y todo el siglo XX; aunque también puede que realicemos alguna exposición de arte contemporáneo. No buscaremos necesariamente artistas de fuera de la Región, sino de toda Murcia, Así mismo pasarán por estas salas obras de artistas representativos españoles e internacionales; e incluso no sólo de pinturas y esculturas, sino también con otros trabajos, como la literatura y la música, que influyeron en estos artistas.
- Todos los palacios y casas nobles dicen que tiene un duendecillo. ¿Cómo se llama el del Palacio Aguirre?
- (Risas) Yo no lo he visto, pero haberlo parece ser que también lo tiene. En concreto es la Señora de Negro. Da señales de su posible existencia en la noche, es como si una mujer ya madura se pasea por los pasillos y las diversas estancias, crujen las maderas con sus pasos, y alguna puerta aparece abierta cuando previamente estábamos en la certeza de haberla dejado cerrada.
Fisgoneado en La Verdad.
El jueves 2 de julio de 2009 a las 20'00 h. se inaugura una exposición fotográfica sobre Djenné, una ciudad de Malí. Esta ciudad fundada en el siglo IX ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco y es conocida por su tradicional arquitectura de adobe. Las instantáneas fueron realizadas por Kike Gomicia en un viaje con el pintor Manolo Belzunce que les llevó hasta el delta interior del río Níger. Kike Gomicia (Murcia, 1963) es un fotógrafo y aventurero que heredó de su familia la pasión por la fotografía y la naturaleza. En esta ocasión realiza un viaje al corazón de África donde, a través de su objetivo, nos hace partícipes de su visión sobre una ciudad milenaria que ha sabido conservar sus señas de identidad.
Prensa Museo Hidráulico de los Molinos del Río Segura.
El director general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Enrique Ujaldón, presentó ayer el primer Anuario sobre museos de la Región de Murcia, una obra con información esencial de 60 de los más importantes centros museísticos de la Comunidad Autónoma.
En este sentido, Ujaldón consideró que «no sólo es importante tener buenos museos en la Región, algo de lo que los murcianos podemos sentirnos muy orgullosos, sino que, además, hay que seguir trabajando para difundirlos, pues no tendría sentido la labor que se realiza si no damos a conocer lo que se está haciendo».
Asimismo, añadió que éste es el objetivo principal de este primer anuario sobre museos, «una herramienta de utilidad tanto para la gestión como para la comunicación y difusión de la realidad museística murciana», que se presenta en formato libro de más de 260 páginas y más de 600 imágenes de gran calidad, que también contiene información periodística ampliada y actualizada sobre todos los centros que forman parte del Sistema Regional de Museos.
Un total de 21 municipios de la Región se potencian en el ámbito cultural del patrimonio común ya que, como destacó el director de Bellas Artes, «en este anuario, no sólo entran los grandes museos, sino también pequeños museos de diversos municipios de la Región que albergan muchas veces grandes joyas, algo que permitirá a los compradores de este anuario tener una guía de cuáles son nuestras grandes estructuras en este sentido y lo que solemos hacer en ellas».
La guía, que está disponible para su consulta, en la web http://www.anuariosculturales.es, incluye teléfonos de contacto, horarios de apertura y direcciones, repasa la actividad cultural llevada a cabo durante el pasado año, destacando la rehabilitación y reinauguración del Teatro Romano de Cartagena y su Museo.
Fisgoneado en La Verdad.
El salón de actos del Museo Arqueológico acoge a las 20'00 horas una conferencia bajo el título Nuevos descubrimientos de fósiles en la Región de Murcia: La Serrata como uno de los principales lugares de interés geológico y palentológico de España. Intervendrá el paleontólogo de la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales de la Comunidad Autónoma, Gregorio Romero; y el director científico del Museo Paleontológico de Elche, Ignacio Fierro Bandera.
Fisgoneado en La Verdad.
El Museo Histórico Militar acoge a las ocho y media de la tarde la entrega de 27 cuadros de la colección del pintor murciano José María Falgas al Regimiento de Artillería Antiaérea 73. Falgas, quien hizo la mili en Tentegorra, dona al Ejército de Tierra cuadros, óleos, dibujos y acuarelas sobre la guerra. Su condición es que jamás salgan de la ciudad.
Fisgoneado en La Verdad.
Piezas del Museo de Modelismo Naval Julio Castelo Matrán reproducen modelos a escala del 'Titanic', del 'Santísima Trinidad' o del 'Endeavour'. La exposición consta de 28 navíos que alcanzaron notoriedad entre el XVII y el XX.
Los amantes del mar, y en especial de los maravillosos ingenios ideados por el hombre para surcar sus aguas, no deben perderse la muestra de modelismo naval que anoche se inauguró en el Centro Cultural Las Claras, con el patrocinio de Cajamurcia y Fundación Mapfre, ya que en ella se exponen las maquetas de 28 barcos construidos entre los siglos XVII y XX, en España y otros seis países europeos, así como en EE UU.
En su mayor parte se trata de barcos de guerra a los que se atribuye su participación en relevantes hechos históricos, aunque también se encuentran las maquetas del Titanic, del buque escuela de la Armada Española Juan Sebastián Elcano y del barco de vela Endeavour, el primer velero inglés que consiguió ser finalista de la Copa América (1934).
La nave más antigua, cuya maqueta se expone en la muestra de Las Claras, corresponde al navío sueco Vasa, construido en el 1628 (s. XVII) y de triste destino, ya que se hundió en su viaje inaugural, debido a que subieron demasiados invitados y tenía un defecto de diseño, aunque fue la nave más grande, costosa y lujosa de aquella época. En 1959 fue reflotada, casi en perfecto estado pese a los 331 años transcurridos y actualmente se exhibe en el Museo Naval de Estocolmo. Está también la maqueta del San Felipe, construido en el astillero catalán de S. Feliú de Guixols, en 1690 (s. XVII).
Regalos
La primera maqueta de este barco que construyó Julio Castelo fue regalada por la Fundación Mapfre a los Príncipes de Asturias, con motivo de su boda. La que se expone es una réplica exacta. El barco tenía una dotación de 750 hombres y 104 cañones. Fue la que comandó la flota española para la conquista de Sicilia.
Se puede ver también la del buque español Santísima Trinidad, construido en La Habana en el siglo XVIII y considerado el barco artillado más importante del mundo en su época; tenía cuatro puentes completos de cañones y participó con éxito en diversas contiendas navales.
Finalmente, en la batalla de Trafalgar fue apresado y desarbolado. Se hundió cuando era remolcado como botín de guerra a Gibraltar. Otra de las maquetas que se exponen corresponde al emblemático H.M.S. Bounty, inmortalizado por la película Rebelión a bordo. Precisamente dicha maqueta muestra su casco con las cuadernas al aire, con el fin de mostrar la forma de estibar las mercaderías en las bodegas.
Las maquetas, de tamaño medio, están perfectamente realizadas, se ha cuidado con mimo cada una de sus piezas. Velas, mástiles y jarcias parecen estar impregnadas de un hálito salobre y dispuestas para zarpar. En las cartelas se explican las características más importantes de cada nave, así como su historia.
CONVIENE SABER
Exposición. Museo de Modelismo Naval Julio Castelo Matrán.
Dónde. Centro Cultural Las Claras, en Murcia. (Santa Clara, 1).
Patrocinan. Fundación Cajamurcia y Fundación Mapfre.
Visitas. De 10.00 h. a 13.00 h. y de 16.00 h. a 21.00 h (de lunes a sábado): Domingos y festivos: de 10.00 h. a 13.00 h.
Teléfono. 968 23 46 47.
Fisgoneado en La Verdad.
La arquitecto Carmen Espegel, profesora titular de Proyectos de la Escuela de Arquitectura de Madrid, pronuncia hoy la conferencia Ejercicios de estilo en el Museo del Teatro Romano, a las ocho de la tarde. Carmen Espegel será presentada por el arquitecto cartagenero Andrés Cánovas.
Fisgoneado en La Verdad.
Un usuario del Servicio Municipal de Apoyo Psicosocial, Antonio Lorca, presentará una selección de sus mejores poesías recogidas en Antología poética y Desencuentro con la realidad, publicados por el Ayuntamiento de Totana, hoy, a las 20'00 h. en el Gaya. Antonio es un totanero conocido por sus vecinos como Antonio, el poeta. Su inspiración surgió a los 12 años.. Un año después, la enfermedad le «atrapó», sin que «esto frenara» su «pasión por la escritura».
Fisgoneado en La Verdad.
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